cinemaleo

Trasferimento

2009-01-23T20:41:00.000-08:00

Al via il 59th Berlin International Film Festival

2009-01-18T23:32:00.000-08:00

La grande novità del Festival di Berlino 2009 (dal 5 al 15 Febbraio) è la quasi totale mancanza di film italiani.
Nel programma, presentato il 15 Gennaio, compaiono delle coproduzioni (con Francia e Grecia "Eden a l'ouest" di Costa Gavras, con Francia "Ricky" di Francois Ozon, con Germania Grecia e Russia "The dust of time" di Theo Angelopoulos)) ma titoli interamente italiani non sono presenti (tranne "Terra madre" di Ermanno Olmi, inserito nella sezione Special) .

Dopo il trionfo a Cannes, sembra che il momento d'oro del nostro cinema sia stato di breve durata. Sconfitta ai Golden Globe per "Gomorra", esclusione di questo alla corsa per gli Oscar… ed ora la notizia della quasi totale assenza italiana alla Berlinale (del resto l'ultimo TorinoFilmFest di Nanni Moretti non aveva selezionato nessun film di nostra esclusiva produzione).

Qui l'elenco dei 25 film finora invitati.

Il Festival (così presentato nel comunicato ufficiale: Berlin - a cosmopolitan, exciting capital, a city of culture with international appeal. In the middle of it all: the Berlinale - not only the city's largest cultural event, but also one of the most important dates on the international film industry's calendar) dedica quest'anno una interessante Retrospettiva ai maggiori film creati, negli anni Sessanta, con il nuovo sistema dei 70mm e intitolata "Bigger than Life".
Vi compaiono titoli famosissimi e di grande successo come "2001: Odissea nello spazio" di Stanley Kubrick (1965-68), "Ben-Hur" di William Wyler (958/59), "Il grande sentiero" di John Ford (1963/64), "Cleopatra" di Joseph L. Mankiewicz (1961-63), "Hello, Dolly!" di Gene Kelly (1968/69), "Khartoum" di Basil Dearden (1965/66), "Lawrence d'Arabia" di David Lean (1961/62), "Lord Jim" di Richard Brooks (1963-65), "L'ammutinamento del Bounty" di Lewis Milestone (1960-62), "Patton" di Franklin J. Schaffner (1968-70), "Playtime" di Jacques Tati (1964-67), "La figlia di Ryan" di David Lean (1969/70), "Tutti insieme appassionatamente" di Robert Wise (1964/65), "Un giorno di primo mattino (Star!)" di Robert Wise (1967/68), "Guerra e Pace" di Sergei Bondarchuk (1962-67), "West Side Story" di Robert Wise e Jerome Robbins (1960/61).

L'Omaggio sarà dedicato al compositore francese Maurice Jarre (incoronato con tre Oscar per le musiche di "Il dottor Zivago", "Lawrence d'Arabia", "Passaggio in India").

Il 59th Berlin International Film Festival sarà inaugurato il 5 Febbraio con la premiere mondiale di "The International", coprodotto da USA e Germania. Il film è diretto da Tom Tykwer ed è interpretato da un cast internazionale (Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl, Brian F. O'Byrne, Ulrich Thomsen, Jack McGee).

Presidente della Giuria internazionale sarà Tilda Swinton, la splendida protagonista di "Orlando", Oscar 2008 per "Michael Clayton".

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"Yes Man" di Peyton Reed

2009-01-10T21:22:00.000-08:00

(Yes Man)
Jim Carrey, Zooey Deschanel, Bradley Cooper,
Danny Masterson, Fionnula Flanagan, Terence Stamp
Commedia, 102 min., Usa, Warner Bros
[Uscita nelle sale Venerdì 9 Gennaio 2009]

Peyton Reed è un regista non sempre affidabile (molti suoi lavori non sono completamente riusciti) ma con questo "Yes Man" si riscatta: un lavoro divertente (anche romantico e commovente) ma non banale né superficiale e con un opportuno sfondo di malinconia e amarezza. Da rimproverargli forse un eccesso di moralismo.
Controverse le critiche:
Il Manifesto: ...Peyton Reed si diverte molto con Jim Carrey e con noi, in "Yes Man" commedia dalle più sofisticate e strampalate trovate.
L'Unità: ...il cinema americano ha sempre usato i generi più popolari e leggeri per dire cose prima di altri, anche incosciamente.
Liberazione: Jim Carrey è un portento della natura… Non è bravo solo a fare l'attore comico e l'attore drammatico ma lo è soprattutto nell'essere entrambi e contemporaneamente...
Ciak: Una commedia paradossale e divertente…
Cineblog: Reed firma la sua quarta regia cinematografica, portando sugli schermi una commedia riuscita e divertente, che promuove il pensiero positivo e intenerisce oltre a strappare più di una risata.
Movieplayer: ...una commedia non priva di anima che fa ridere di gusto dall'inizio alla fine.
La Repubblica: Il difetto di un film del genere è nel manico: una sola idea, stirata dall'inizio alla fine, incluse complicazioni programmatiche che ogni spettatore un po' esperto è in grado di anticipare quasi al minuto.
Il Giornale: Ambizioso petulante barbosissimo...
Il Messaggero: Consigliamo il film solo ai fan di Jim Carrey. per tutti gli altri forse è meglio di no.

Ispirandosi al libro auto-biografico di Danny Wallace e trasferendo la trama dalla Scozia a Los Angeles, "Yes Man" (che ha ottenuto risultati eccellenti ai botteghini statunitensi) è un film ottimista sulle scelte da fare nella vita, su come affrontare positivamente l'esistenza (qualche critico vi ha visto il nuovo corso Obama…) in una società sempre più assurda e contraddittoria. Momenti introspettivi si alternano a situazioni comiche senza disturbarsi a vicenda catturando l'attenzione del pubblico, coinvolto e partecipe: molto merito di questo gusto vagamente dolceamaro di "Yes Man" va senz'altro attribuito a Carrey, che dietro al sua innata capacità di far ridere con lazzi ed una grande fisicità, riesce sempre di più a proporre anche momenti più seri, attimi in cui si intravede il dolore nascosto dietro il suo personaggio (Giulio Frafuso).

Battute godibili, gag simpatiche, ottime musiche, un intero cast impegnato e credibile (e che evita ogni facile macchiettismo), ritmo veloce, tono leggero e scanzonato che offre però più di uno spunto di riflessione… quanto basta per trascorrere due ore al cinema divertendosi senza mortificare la propria intelligenza.

Jim Carrey, sempre più "volto di gomma", sempre più mattatore, irruente, istrionico, camaleontico (un prodigio di abilità recitativa ...a quando l'Oscar?) è naturalmente la carta vincente.
Un bentornato a Terence Stamp, carismatico più che mai, qui veramente irresistibile (...l'attore più sorprendente è Terence Stamp, esagerato, euforico, violento, La Stampa).
Buffa, dolce e brava Zooey Deschanel.
Fionnula Flanagan, divertentissima, conferma la sua eccezionale duttilità.

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"The Strangers" di Bryan Bertino

2009-01-06T09:22:00.000-08:00

(The Strangers)
Liv Tyler, Scott Speedman,

Gemma Ward, Kip Weeks, Laura Margolis
Thriller, 85 min. USA 2008, Universal Pictures
[Uscita nelle sale Venerdì 2 Gennaio 2009]

Critiche discordanti per questo film che definire "poco natalizio" è un eufemismo:
Dgmag: Bertino non racconta nulla, non spiega nulla ma lascia che a parlare siano i protagonisti della vicenda con le loro paure e il loro panico.
Mylittlecinema: The Strangers esplora in pieno le nostre paure più universali, quando la casa di vacanze di una coppia si trasforma in un luogo di terrore...
35mm: La trasposizione di una storia ispirata da fatti reali spesso diventa l'ennesimo strillo - sempre più difficile da identificare e distinguere tra i tanti - da manifesto oppure una scusa come un'altra per tentare di risollevare le sorti di un genere da sempre difficile da rinnovare. Poi ogni tanto... si cerca semplicemente di fare un buon film, anche semplice, ma che funzioni e trasmetta qualcosa.
Cineblog: ...non si può far finta che The Strangers sia clamorosamente simile al francese "Them" e al connazionale "Vacancy"… Come evitare quindi di far pesare le ombre dei precedenti film? Semplicemente facendo paura. Che non è costante, e nella seconda parte si perde in situazioni di sceneggiatura non di certo brillanti, risapute e un po' fiacche, ma appunto nella prima parte colpisce ai nervi.
Repubblica: Non che il debuttante Bertino sia incapace di utilizzare le risorse linguistiche tipiche del suspenser…; salvo che, tirato in lungo per un´ora e mezza, il gioco si logora progressivamente fino a perdere efficacia.
La Stampa: Horror di ordinaria amministrazione, però messo in scena, fotografato e montato con una certa abilità.
Ciak: Bertino sa tenere alta la tensione (almeno nella prima mezz'ora).

Ispirato a una storia realmente accaduta (nel febbraio del 2005), il film di Bryan Bertino (è la sua opera prima registica, dopo una brevissima carriera d'attore) pur non essendo un capolavoro si può ritenere un buon esempio di come si possa realizzare un prodotto più che sufficiente pur avendo un ridotto budget a disposizione.
Nulla di particolarmente originale o di innovativo in un genere (il thriller) spremuto fino all'osso ma, per gli appassionati del classico, "The Strangers" potrebbe essere considerato un piccolo gioiello del brivido.

Bertino sa come tenere lo spettatore con il fiato sospeso: tensione e colpi di scena sapientemente calibrati, giusto clima di suspense dall'inizio alla fine (anche se non tutto torna nella sceneggiatura che, meritevolmente, lascia spazio alla immaginazione del pubblico). Le riprese con camera a mano (inusuali in un ambiente d'interni) dai movimenti opportunamente ondulatori e irregolari, la contrapposizione tra immagini a fuoco e immagini sfocate, il montaggio abile nell'intercalare pause statiche a rapidi stacchi, il sonoro appropriato (come raramente accade) che gioca sul contrasto tra rumori da far gelare il sangue e la musica rassicurante di un giradischi, l'ottima fotografia con il suo inquietante gioco di luci e ombre... contribuiscono a creare un'efficace atmosfera angosciante claustrofobica paranoica...
Si aggiunga che qualcuno in cerca di profondità potrà vedere in questo film (il regista ha dichiarato "Volevo esplorare qualcosa che accade a personaggi molto deboli, come facevano i film di un tempo") una analisi della fragilità dell'uomo che lotta per la sopravvivenza, una analisi della incomprensibilità della psiche umana... una riflessione sulla gratuita violenza quotidiana, una riflessione sul senso da dare alla vita e alla morte ("Si cerca sempre di dare al male una ragione, un volto. Ma qui non ce l'ha" ).

Un'opera asciutta ed essenziale, senza fronzoli (come invece avviene nella maggioranza di prodotti simili) e con lodevole assenza di splatter, un'opera che non fallisce nel comunicare inquietudine impotenza paura incubo.

Quasi tutto il film poggia sulle spalle di una inedita Liv Tyler, brava, come del resto lo è Scott Speedman (benché vi sia il sospetto che non si impegnino più di tanto riescono a creare una certa empatia con lo spettatore).

p.s.
Da Hollywood giunge la notizia che Bryan Bertino, visto il buon successo al botteghino, è al lavoro sullo script di un sequel.

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"Madagascar 2" di Eric Darnell, Tom McGrath

2009-01-03T23:03:00.000-08:00

(Madagascar: Escape 2 Africa)

(voci) Ale & Franz, Chiara Colizzi, Roberto Gammino, Oreste Baldini
Animazione, 89 min., Usa, Universal Pictures
[Uscita nelle sale Venerdì 19 Dicembre 2008]

Non mancano isolate voci negative:
...come evitare la sensazione che il cartoon, pur conoscendo in questi anni i maggiori successi della sua storia, rischia di diventare sempre più vuoto e fragoroso, più ossequente alla dittatura degli effetti speciali? (Il Corriere della Sera). La trama non brilla dunque per originalità… (Il Giornale). Madagascar 2 è di gran lunga meno inventivo del precedente (L'Unità).
Secondo la maggioranza dei critici però ci troviamo di fronte a un film che, a tre anni di distanza dal primo episodio, supera questo per fantasia e divertimento:
Visivamente incantevole (La Stampa). Non capita spesso, ma ci sono sequel migliori dell'originale; e questo è il caso di Madagascar 2 (Repubblica). Il primo capitolo... aveva già fatto il pieno di consensi, ma il sequel non delude e anzi accentua la capacità di parlare per «interposto animale» delle paure e le pazzie del nostro tempo (Il Mattino). Buona idea, film intelligente e festoso (L'Espresso). Pieno di trovate da urlo… (Il Messaggero).

Gag strepitose, personaggi (simpatici e accattivanti più che mai) che stupiscono ad ogni loro apparire, trama molto articolata e intrigante che non ti lascia un attimo di tregua e colma di umorismo (a volte demenziale e surreale), dialoghi fantastici e irriverenti, ritmo veloce, immagini coloratissime, parodie e citazioni continue...queste le caratteristiche salienti del nuovo gioiello della DreamWorks Animation, sceneggiato dal grande Etan Cohen (e diretto sempre da Eric Darnell e Tom McGrath).
Un film emozionante (e a tratti poetico) che sa come intrattenere grandi e piccoli, che esalta il valore dell'amicizia, l'amore per il prossimo, l'accettazione della diversità, e che non esita a ironizzare sui turisti fai da te e sulle pretese della medicina alternativa, nonché a trattare problemi importanti come la ricerca di un'identità perduta, il ritorno alle proprie origini, il confronto-scontro tra civiltà e vita selvaggia,le pazzie dell'attuale mondo e degli adulti in particolare (è indubbio, come scrive Il Manifesto, che gli eroi di Madagascar 2 siano in realtà dei newyorchesi con tutti i vizi dei cittadini precipitati nell'Africa più selvaggia).

Uno dei migliori esempi di computer grafica degli ultimi anni.
Ottima la colonna sonora black, che può essere considerata la ciliegina sulla torta (Cinemaniaco).
Buono il doppiaggio (benché manchino le voci di Michelle Hunziker e di Fabio De Luigi).

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Si parla della Warner Bros

2009-01-01T06:16:00.000-08:00

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tutteleproblematiche

"La Duchessa" di Saul Dibb

2008-12-29T10:07:00.000-08:00

(The Duchess)

Keira Knightley, Ralph Fiennes, Charlotte Rampling, Dominic Cooper, Hayley Atwell
Drammatico, 110 min., Gran Bretagna, Francia, Italia - Bim
[Uscita nelle sale Venerdì 24 Dicembre 2008]

Critiche non del tutto negative ma, nel complesso, non entusiasmanti per quest'opera vista al Festival del Film Internazionale di Roma:
Il Corriere della Sera: ...il film resta come raggelato nella sua composta eleganza e nella sua algida bellezza, senza aggiungere niente di nuovo alla consolidata tradizione dei film storici di scuola inglese dove foto, costumi e scenografia servono soprattutto a incorniciare bene gli attori.
Liberazione: Punto decisamente debole, Keira Knightley: ancora rigida e timorosa nel far apparire doti recitative…
Lo Specchio: ..."La Duchessa" racconta queste pene con una sensibilità e una mentalità contemporanee, ignorando quali fossero i rapporti coniugali nell'alta aristocrazia dell'epoca, trascurando il fatto che sentimentalismo o romanticismo sarebbero venuti un secolo più tardi, nell'Ottocento. Nel Settecento il matrimonio nobiliare o regale era prettamente sociale, come nei secoli precedenti: non comportava emozioni né dolori diversi dalle ferite all'orgoglio o al rango, non prevedeva passione amorosa né sessuale.
Il Giornale: ...non ha ambizioni di ricostruzione storica, quanto di evocare un'emancipazione personale, per far felice un pubblico femminile… Ralph Fiennes surclassa Keira Knightley…
Persinsala: Keira Knightley passa, indenne, tre gravidanze legittime e una illegittima per non parlare dei due aborti, senza che una ruga, una sbavatura nel trucco, un capello fuori posto o un abito minimamente sgualcito le rovinino la perfezione da Madamoiselle di Chanel.
La Stampa: Qualità cinematografica poca, divertimento molto.
Movieplayer: Dai costumi ai sentimenti in gioco, dagli scenari alle nuance interpretative fino alle musiche, tutto è già visto, consumato e rielaborato.

Ispirandosi al romanzo di Amanda Foreman, Saul Dibb nel suo secondo lungometraggio ci offre non tanto un affresco dell'Inghilterra della seconda metà del Settecento (siamo all'epoca di Giorgio III) quanto soprattutto un biopic che punta l'attenzione su un celebre e chiacchierato personaggio del periodo: Giorgiana Spencer (sposa -appena diciassettenne- del Duca di Devonshire, celebrata in molti famosi dipinti, amante del futuro primo ministro) fu, in un certo senso, la prima donna politica moderna, affascinante anticonformista provocatrice (da molti definita una femminista ante-litteram), sostenitrice -sembra- della rivoluzione americana e francese. Fu soprattutto, cosa che non è sfuggita ai realizzatori del film consapevoli che avrebbe costituito l'arma vincente con il pubblico, un'antenata di Lady Diana.

A differenza del romanzo che illustra l'intera esistenza della protagonista, la pellicola si interessa preminentemente della sua vita matrimoniale: l'impossibilità per le donne di assecondare il proprio desiderio di felicità costituisce il tema portante del lavoro di Saul Dibb ( (e in questo senso "La Duchessa" può definirsi una storia senza tempo).

La narrazione dove tutto è prevedibile, lo stile elegante ma senza un guizzo di originalità (qualcuno lo ha definito "esangue e asettico"), le varie psicologie non compiutamente approfondite… e in più i ritmi a volte troppo dilatati e il didascalismo accentuato dispiaceranno allo spettatore più esigente (che probabilmente si annoierà) ma chi dal grande schermo pretende solo un paio d'ore di evasione (possibilmente non banale) apprezzerà il tutto pur non emozionandosi eccessivamente.
Si esce dalla sala con l'alta probabilità che nulla abbia attirato il nostro interesse e il nostro coinvolgimento, e senza alcun ricordo particolare (forse solo la bella colonna sonora di Rachel Portman, famosa per essere stata la prima donna ad aver vinto un Premio Oscar alla migliore colonna sonora nel 1996 per il film "Emma", autrice anche delle musiche di "Le regole della casa del sidro" e "Chocolat").

Keira Knightley, nonostante il fisico prettamente di oggi che la penalizza e che la rende inadatta a film in costume, è abbastanza credibile (ma il carisma non abbonda). A primeggiare sono però Ralph Fiennes (più bravo che mai, giganteggia nel suo personaggio e magnetizza l'attenzione ogni volta che appare), Charlotte Rampling (vera e propria icona, inarrivabile), Hayley Atwell (una rivelazione, ruba spesso la scena a Keira e in un ruolo non certo facile).

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"Baby love" di Vincent Garenq

2008-12-26T21:08:00.000-08:00

(Comme les autres)

Lambert Wilson, Pilar López de Ayala, Pascal Elbé, Anne Brochet
Commedia, 90 m., Francia 2008, Archibald Enterprise Film
[Uscita nelle sale Venerdì 19 Dicembre 2008]

Critiche non del tutto entusiaste per "Baby love" (infelice traduzione dell'originale "Comme les autres" che meglio corrisponde a quello che dovrebbe essere l'interrogativo di fondo del film: perché una coppia gay non può desiderare di essere "come gli altri"?). Tutte lodano gli interpreti e il ritmo ma quasi tutte concordano nel rimproverare alla pellicola una certa superficialità. Eccone un piccolo esempio:
MyMovies: "Baby Love" lascia dialogare tra loro le diverse posizioni, alterna slanci e pudori, mima una profondità di sguardo che non possiede… una pellicola che procede spedita, forte di ottimi attori...
Il Corriere della Sera: Racconto senza pregiudizi né stereotipi… Finale lieto e buonista…
Il Giornale: Scoppiettanti i dialoghi, simpatici gli interpreti...
Il Messaggero: Almodovar è lontano anni luce. Qui tutti sono belli ed agiati, le coincidenze arrivano sempre al momento giusto, etc. Il cinema non ci guadagna nulla, ma intanto il dibattito è aperto.
La Stampa: All'inizio il film pare un atto di solidarietà verso le coppie omosessuali, poi diventa una commedia divertente, appena un po' corriva.
35mm: Nonostante la complessità del tema, siamo di fronte ad una commedia che vuole far riflettere, ma non troppo, e che si offre alla visione di ogni tipo di pubblico.
Cinemadelsilenzio: ...una commedia dallo sviluppo banale, con buone potenzialità tutte inespresse, che scivola via senza asperità e si lascia facilmente dimenticare.

Al suo esordio nel lungometraggio Vincent Garenq (che dopo aver frequentato la scuola di cinema, indirizzo regia, si è cimentato nella scrittura di sceneggiature e nella realizzazione di documentari) ha inteso affrontare tematiche importanti su cui oggi si discute molto (la coppia omosessuale, le madri surrogate, la fecondazione assistita, il problema dell'adozione) con leggerezza, delicatezza e ironia tali da far dimenticare ogni pregiudizio. Impresa riuscita? Non direi.

Ambientato a Belleville (quartiere -ha dichiarato il regista- etnicamente e socialmente meticcio, aperto alla diversità ma che nel film è completamente ininfluente e quasi inesistente e con cui i personaggi non hanno alcun rapporto) la pellicola vorrebbe armonizzare sorriso e riflessione, impresa tutt'altro che facile, e che qui mostra le corde. "Baby love" si rivela superficiale e banale, una commedia apparentemente progressista che pur rifuggendo lodevolmente da ogni volgarità lascia il tempo che trova e che risulta inutile, inconcludente, buonista e patinata all'eccesso: il tema principale (che supponiamo essere la famiglia omoparentale) è così delicato che avrebbe meritato per lo meno una riflessione più dignitosa (Massimo Borriello).

L'intreccio è ben congegnato ma la regia non riesce a renderlo minimamente credibile né coinvolgente per lo spettatore che, piuttosto scettico, osserva quanto accade sullo schermo ridendo spesso a sproposito (...niente di peggio per uno spettacolo).
Che qualcosa non funziona lo si avverte dalla sensazione che il film, che dura appena un'ora e mezza, sia eccessivamente lungo. Non solo a tratti serpeggia la noia ma anche un certo senso di fastidio nel vedere tutti questi ambienti ultraeleganti, tutti questi personaggi belli raffinati benpensanti corretti ed educati, tutte queste situazioni che si vorrebbero divertenti ma che sono perlopiù ridicole.

Peccato. Poteva essere un inno al diritto alla libera ricerca della propria felicità (qui, come in tanti film non francesi ma americani, il sogno si realizza), risulta invece una commedia di gusto televisivo che pretende di essere graziosa e che, senza alcun minimo slancio creativo, rivela di essere solo eccessivamente e assurdamente consolatoria: una perdita di tempo.

Bravi Lambert Wilson, in un ruolo per lui insolito, la spagnola Pilar Lopez De Ayala, Anne Brochet in una divertente caratterizzazione (un po' in ombra Pascal Elbé).

p.s.
Notazione a margine: ma una coppia in cui uno fa l'avvocato e l'altro il pediatra… quando avrà tempo di stare con un figlio?

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"Ultimatum alla Terra" di Scott Derrickson

2008-12-26T09:42:00.000-08:00

(The Day the Earth Stood Still)
Keanu Reeves, Jennifer Connelly, Kathy Bates, John Cleese, J. C. S. Smith
Fantascienza, 103 min., USA 2008 – Twentieth Century Fox
[Uscita nelle sale Venerdì 12 Dicembre 2008]

Il bel film del 1951 del grande Robert Wise è nella memoria di tutti gli appassionati del genere (anche perché era uno dei rari casi, negli anni Cinquanta, di "fantascienza di sinistra" che invece di paventare il pericolo rosso inneggiavano al pacifismo: grande coraggio nell'opporsi alla guerra fredda e al maccartismo con la sua paranoica caccia alle streghe ). Da evidenziare poi che per la prima volta eravamo noi umani ad essere i diversi, per la prima volta un film aveva come punto di vista quello dell'alieno, dell'invasore (Cineblog).

Ammalata ormai da tempo di remake a tutto spiano, Hollywood ne propone una nuova versione (diretta da Scott Derrickson) condita, naturalmente, dai soliti ripetitivi inflazionati effetti speciali.
La critica non è stata tenera:
Il Giornale: I paragoni storici non v'interessano? Lasciate perdere questo modesto film.
L'Unità: ...tedioso.
Cineblog: ...il film non può nemmeno lontanamente esser paragonato alla versione originale, a causa di una sceneggiatura che grida semplicemente vendetta…
Repubblica: ...il tasso emotivo del film, del resto, è inversamente proporzionale all'uso dei trucchi digitali (difficile, ormai, definirli "effetti speciali", tanto sono diventati comuni).
Liberazione: ...un film di fantascienza approssimativo e fintamente vintage, dotato di un ottimo cast sempre confinato in dialoghi e caratterizzazioni banali. Budget alto, ma non si vede.
Panorama: ...da un cult non può essere tratto un nuovo cult.
35mm: I classici dovrebbero esser lasciati stare, specie quelli di fantascienza. Non è riuscito nell'impresa l'inventivo Tim Burton col suo "Planet of the Apes" né il Re Mida del cinema americano Steven Spielberg, rifacendo "La guerra dei mondi".
Avvenire: ...un gran brutto pasticcio.
Il Secolo: ...drammone popcorn movie.
Xanadu: Scott Derrickson si assume l'incarico di dirigere su commissione il film apocalittico di Natale targato Fox, e lo fa senza lode e con una buona dose d'infamia, costruendo un contenitore vuoto, privo di spessore...

I tempi sono cambiati. Il pericolo non è più la guerra atomica ma l'ambiente sempre più maltrattato (l'impegno ecologista caratterizza sempre maggiormente l'America progressista). Sembrerebbe quindi che la prospettiva della nuova versione sia radicalmente diversa da quella originale ma, a pensarci bene, non è del tutto vero: giustamente Il Mattino scrive che Derrickson e i suoi sceneggiatori sono riusciti a preservare lo spirito del vecchio film nell'assunto che l'uomo è il vero nemico di se stesso.
Il problema del riscaldamento globale e dell'esaurimento delle risorse energetiche è al centro del film, ma il vero problema è che il tema è svolto in modo talmente scontato e superficiale da non appassionare affatto lo spettatore di cui non riesce a calamitare l'attenzione e l'emozione.
Situazioni e risvolti poco verosimili, nessi logici sconclusionati, psicologie alquanto approssimative ed improbabili, dialoghi stereotipati che definire banali è poco, vicenda piatta e prevedibile, didascalismo eccessivo, conclusione troppo veloce e scarsamente interessante, eccesso di spot pubblicitari che andavano evitati… rendono lo spettacolo una vera e propria occasione sprecata che non può non deludere non solo il pubblico più esigente ma anche chi dal grande schermo pretende un intrattenimento minimamente coinvolgente.

Gli ottimi (solitamente) attori presenti sono completamente sprecati.
Da sottolineare che Keanu Reeves (non all'altezza di Michael Rennie, uno dei migliori attori di teatro inglese, che interpretò nel 51 lo stesso ruolo) sembra ormai essersi fossilizzato nel personaggio di "Matrix", monocorde e ascetico come non mai.

In definitiva mi trovo pienamente d'accordo con Pietro Salvatori: "Ultimatum alla Terra" è un'operazione strumentale, nata senza quella verve e quel gusto nel mettere in piedi una storia che sono condizioni basilari affinché un buon film di intrattenimento non cada nella temibile morsa della noia.

p.s.
Ultimo demerito, come giustamente sottolineato da Gabriele Niola: il film è fastidiosamente evangelico, individuando anche apertamente delle costanti tra il comportamento alieno e quello del Dio cristiano nei vangeli.

tuttelerecensioni

"Per il cinema italiano" a Bari

2008-12-21T21:10:00.000-08:00

Articolo pubblicato su Cineocchio

tuttiglieventi

"Stare fuori" di Fabiomassimo Lozzi

2008-12-17T21:30:00.000-08:00

Con Federico Pacifici, Guja Jelo,

Ivo Micioni, Nausica Benedettini,
Carlo Del Giudice, Alessandro Riceci, Dagmar Lassander, Matteo Orsini
Sentimentale, durata 91 min.
Italia 2008, Distribuzione A.B.
[Uscita nelle sale Venerdì 12 Dicembre 2008]

"Stare fuori" non ha convinto del tutto la critica:
Repubblica: Lozzi utilizza consapevolmente il registro del melodramma fiammeggiante, ispirandosi a modelli alti (quanto pericolosi da imitare)… Il film gioca le sue carte uscendone un po´ malconcio.
Ciak: Se le intenzioni e le ambizioni di Lozzi sono tutt'altro che banali o corrive, strumenti e senso della misura non gli vengono qui in soccorso.
Ilaria Mariotti: La sensazione che lascia è di aver assistito ad un racconto fatto di forzature, troppo rallentato e alla ricerca dello struggimento a tutti i costi.
35mm: Il dramma sfocia nella tragedia ma spesso i personaggi sono talmente estremi da risultare grotteschi, quasi caricaturali.

Esordio nel lungometraggio di Fabiomassimo Lozzi (scrittore, sceneggiatore e autore finora soprattutto di documentari e corti) che -dichiaratamente- intende rendere omaggio al melodramma tipico degli anni Cinquanta (più a quello americano che a quello italiano).
Rappresentante più che degno del cinema indipendente d'autore italiano, in questo lavoro Lozzi si è impegnato al massimo sia dal punto di vista formale che contenutistico (ma è il primo aspetto a risultare il più riuscito).
Amore folle e morboso, sesso disperato, ossessioni, sentimenti esasperati, allucinazioni, lacrime a piè sospinto, fughe, rimpianti, morte (nonché omosessualità) sono i temi portanti: non tutto è chiaro e coerente nella narrazione (ispirata a un fatto realmente accaduto una ventina d'anni fa) con il suo mix di kitsch, commedia, tragedia, deliri, lutti, sofferenze varie, amori materni e amori passionali… ma è indubbio che il film coinvolge (e commuove in più di un punto) grazie anche a una raffinata regia e a uno stuolo di attori da applaudire incondizionatamente (benché sia forse da rimproverare una certa impostazione eccessivamente teatrale).
Un film surreale e delirante (con un'intensa e suggestiva colonna sonora) dove tutto è eccessivo ed estremo (in diretta polemica con il generale piattume che ci circonda?) che si differenzia -coraggiosamente- dalla corrente produzione italiana... basterebbe solo questo per renderlo degno di nota.

"Stare fuori" è uscito in pochissime sale: merita qualcosa in più.

Pubblicato su Cineocchio

tuttelerecensioni

La scomparsa di Van Johnson

2008-12-16T07:26:00.001-08:00

articolo pubblicato su Cineocchio

tuttiglieventi

"Come dio comanda" di Gabriele Salvatores

2008-12-14T07:01:00.000-08:00

Con
Filippo Timi, Elio Germano, Alvaro Caleca,
Fabio De Luigi, Angelica Leo, Vasco Mirandola,
Ludovica Di Rocco, Alessandro Bressanello
Italia 2008 - Drammatico - 103 minuti - 01 Distribution
[Uscita nelle sale Venerdì 12 Dicembre 2008]

Critiche controverse per il film che riunisce la coppia Salvatores-Ammaniti cinque anni dopo "Io non ho paura".
Corriere della Sera: Ma al di là dell'indubitabile abilità tecnica... tutto sembra troppo "significativo" (e un po' prevedibile) per emozionare davvero.
MyMovies: Gabriele Salvatores lavora abilmente sui confini del thriller, sull'impasto tra realismo e mito…
La Stampa: ...è costruito e realizzato benissimo, con una forza grande, appassionante.
SentieriSelvaggi: ...la materia narrativa sembra continuamente sfilacciarsi, disperdendo la tensione altrove.
Magazine-Libero: Si possono mettere in luce i difetti, lamentare il trattamento di alcuni personaggi, puntare il dito contro la coerenza dell'impianto... Bisogna però riconoscere a Gabriele Salvatores la capacità di reinventarsi ogni volta, spiazzare la critica e sfidare le attese del pubblico.
Il Giornale: ...di Germano si è detto troppo che è bravo e lui ha finito col crederlo…
Film.tv: Le scelte attoriali sono meno felici del solito (Germano gigioneggia, Timi è una presenza suggestiva ma dal tono teatrale, il giovane Alvaro Caleca dà il meglio a partire dalla tragedia e Fabio De Luigi non è irresistibile nei panni di un improbabile assistente sociale).

Raramente il grande schermo ci aveva offerto un racconto e figure così sgradevoli. Un angoscioso e angosciante affresco di provincia e di esseri squallidi degradati emarginati, chiusi nel proprio egoismo e nella propria solitudine, dominati dall'odio dalla violenza dal disprezzo verso tutto e tutti, senza speranza e senza aspettative, esseri incattiviti per la paura e la rabbia… animali incapaci di concedersi il giusto amore, che delle proprie disgrazie incolpano sempre gli altri (Massimo Borriello). Un ambiente aspro cupo desolato che rispecchia in pieno l'animo dei personaggi. Un'opera (nonostante il finale) oltremodo pessimista sulle sorti dell'umanità che irrita inquieta turba… un film -scrive giustamente l'Unità- che è un... cazzotto nello stomaco.

Personaggi non sempre credibili e dai risvolti non sempre verosimili, lungaggini che si potevano evitare, recitazione non del tutto convincente (Elio Germano soprattutto non persuade nel difficile ruolo affidatogli), trama dal finale non chiaro in ciò che vuole dire (ottimismo nonostante tutto? una lettura edificatoria della vicenda? l'amore che, seppur fisico e feroce, vince tutto? il diavolo non è poi così cattivo come si dipinge?)… sono il rovescio della medaglia di un lavoro tecnicamente ineccepibile, molto curato nella forma.
E' la sceneggiatura che lascia a desiderare. Problematico quello che Ammaniti e Salvatores abbiano voluto mostrarci: una storia di quotidiana disperazione? l'ottundimento carico di odio e paura dell'Italia di oggi? il disagio del profondo Nord? l'ambiguità dei sentimenti umani? l'affresco dell'ineluttabilità di una società che è fatta così? l'analisi di esseri malvagi e innocenti insieme, indotti al male da una serie di circostanze che si chiamano disoccupazione, ignoranza, povertà, isolamento… (Fabio Ferzetti)? l'esplicitazione dei versi di Fabrizio De André C'è amore un po' per tutti e tutti quanti hanno un amore sulla cattiva strada?

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tuttelerecensioni

"Padiglione 22" di Livio Bordone

2008-12-12T20:26:00.000-08:00

Con

Regina Orioli, Giuseppe Antignati, Arturo Paglia
Giuseppe Antignati, Dario D'Ambrosi, Corinna Locastro, Valentina Gristina
Elio Germano, Gaetano Amato
Italia 2006 -Thriller - 82 minuti - Paco Cinematografica
[Uscita nelle sale Venerdì 12 Dicembre 2008]

L'opera di esordio del regista trentatreenne siracusano Livio Bordone ha ricevuto ovunque ottime recensioni (ma i media lo stanno colpevolmente trascurando):
MyMovies: Un'emozionante viaggio nei meandri della mente con i migliori giovani volti del panorama italiano.
Pellicolascaduta: Bordone dimostra di saper costruire inquadrature interessanti che si fanno mezzi di trasporto delle emozioni e non misere appendici che non fanno altro che riportare fatti ed episodi.
Anastasia Mazzia: Fiumi di parole si spendono sempre sulla decadenza del cinema italiano, per la mancanza di giovani registi, di nuove idee. In realtà... Livio Bordone riesce a regalare un'assoluta novità.

Se pure con notevole ritardo, "Padiglione 22" esce finalmente nelle sale (dapprima solo a Roma e a Palermo, successivamente arriverà a Trieste, Milano, Firenze, Bologna, Modena, Siracusa, Catania e Cagliari).

Un thriller paranormale che a volte sembra fare l'occhiolino all'horror italiano degli anni '70 (come molti critici hanno sottolineato), ma con una perizia tecnica, una qualità visiva e una prestazione attoriale che a quello certamente mancava.

L'ambizione -ha dichiarato il regista- era di fare un film pressoché muto, in cui fossero solo le immagini a parlare, abbandonando così la semplice velleità narrativa. Cercando, forse in maniera presuntuosa, di regalare al pubblico non una storia ma una sorta di viaggio emozionale. E in effetti "Padiglione 22" contiene pochissime parole, del resto superflue: sono i luoghi a parlare, i volti, i gesti...
Un mix omogeneo e funzionale di flashback, fatti reali e immaginari (?), sogni e allucinazioni che attanagliano l'attenzione dello spettatore e creano un clima di tensione non sempre presente in film del genere. Film che va letto non solo come ottimo esempio di ghost story ma soprattutto come ammirevole denuncia di quanto accadeva in Italia prima che la legge Basaglia liberasse i degenti dalla segregazione coatta: pienamente riuscite quindi le intenzioni del regista che, alla presentazione del suo lavoro, ha affermato Tutto il film è giocato sul perenne dubbio, sottile, se ciò che accade alla protagonista è reale o se sia tutto frutto della sua mente. Inoltre il tentativo di raccontare un angolo buio della storia italiana, il periodo della realtà manicomiale, filtrato attraverso le regole di un genere come il thriller.

Bravissima Regina Orioli nel non facile ruolo di una donna dilaniata dai sensi di colpa, eccezionale nel comunicarci nevrosi e ossessioni.

Grande successo lo scorso anno al Festival di Shanghai (l'evento cinematografico più importante del continente asiatico) "Padiglione 22" è un film consigliabile a chi dal grande schermo pretende emozioni non banali e stimoli a riflessioni non superficiali.
Onore alla Paco Cinematografica che l'ha prodotto e distribuito (la Paco è nata nel 2003 come realizzatrice di documentari a scopo umanitario. Tra il 2005 e il 2006 il passo verso il grande schermo. A lei si deve la realizzazione di uno dei migliori film della passata stagione, "Cover Boy").

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Gianni Amelio al posto di Nanni Moretti

2008-12-11T19:54:00.000-08:00

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tuttiglieventi

"La felicità porta fortuna" di Mike Leigh

2008-12-07T09:41:00.001-08:00

(Happy Go Lucky)

Con Sally Hawkins,
Eddie Marsan, Nonso Anozie, Samuel Roukin, Sarah Niles,
Alexis Zegerman, Karina Fernandez,
Commedia, 118 min. - Gran Bretagna 2008 - Mikado
[Uscita nelle sale Venerdì 5 Dicembre 2008]

La critica di tutto il mondo ha esaltato (giustamente) film e protagonista.

Ha scritto Il Messaggero: "A Berlino fu un colpo di fulmine. Da anni non si vedeva un'ondata di buonumore così contagiosa in un festival".

Con grandi film (per lo più altamente drammatici) Mike Leigh aveva mietuto premi a iosa (Momenti tristi vincitore nel 1972 del Grand Prix a Chicago e del Leopardo d'oro a Locarno, Belle speranze miglior film agli European Film Awards 1988, Dolce è la vita proclamato nel 1991 miglior film dalla National Society of Film Critics, Naked migliore regia a Cannes nel 1992, Segreti e bugie miglior film nel 1996 sempre a Cannes, Tutto o niente vincitore del London Critics Circle Awards 2003, Il segreto di Vera Drake Leone d'oro alla Mostra di Venezia nel 2004). Ora, quattro anni dopo dall'ultimo film, cambia totalmente registro e ci regala una vera e propria boccata d'aria fresca, un sano e sincero ottimismo che coinvolge e affascina.
Si esce dalla visione più sereni, più riconciliati con il mondo (e con noi stessi): di questi tempi non è poco.

"La felicità porta fortuna" è un film brioso e spumeggiante che diverte non banalmente, un film in cui apparentemente accade poco ma che in realtà è la rappresentazione di un microcosmo (affollato da innumerevoli personaggi delineati perfettamente con pochi cenni) in cui non è difficile riconoscersi, microcosmo che ruota intorno a una figura femminile difficilmente dimenticabile ("una sorta di cartone animato in carne ed ossa che però mai cade nella trappola della caricatura, ed alla fine risulta pienamente credibile e toccante pur nel suo essere un personaggio completamente o quasi fuori dal mondo", Comingsoon).

Un film che dà risalto alla fotografia multicromatica, alla musica, alle parole più che all'azione (e che ha il merito di mostrarci una Londra insolita, non grigia e piovosa ma solare e colorata).
Un film leggero ma non superficiale col suo offrire un quadro veritiero delle contraddizioni e dei lati negativi dell'odierna società. "Una commedia umana realistica e quotidiana" (Il Corriere della Sera) che ci invita a ridere ma che, contemporaneamente, ci induce riflettere.

Sally Hawkins, in un ruolo non facile di una ragazza che sorride al mondo e che è sempre pronta a cogliere il lato divertente della vita, ("uno spirito libero, aperta e generosa, simpatica e anarchica, ma anche in grado di essere concentrata e responsabile, ha tempo per tutti e chiunque la incontri si innamora di lei" recita la presentazione del film) è sorprendentemente brava e travolgente: bene ha fatto il Festival di Berlino a premiarla (da ricordare anche "l'istruttore" Eddie Marsan e "l'amica" Alexis Zegerman, incoronati al British Independent Film Awards come miglior attori non protagonisti).

Chiaro (condivisibile anche se non sempre facile da attuare) il messaggio del film: "sorridere sempre e prendere tutto con ironia e' il segreto per vivere meglio".

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"Stella" di Sylvie Verheyde

2008-12-05T09:50:00.000-08:00

Con

Leora Barbara, Karole Rocher, Benjamin Biolay, Guillaume Depardieu,
Thierry Neuvic, Jeannick Gravelines, Valérie Stroh
Drammatico, durata 102 min. - Francia 2008 - Sacher
[Uscita nelle sale Venerdì 5 Dicembre 2008]

Il film ha entusiasmato pubblico e critica al Festival di Venezia. Nanni Moretti se ne è innamorato immediatamente e grazie alla sua Sacher è possibile ora vederlo nelle nostre sale.

Al suo terzo lungometraggio dopo un periodo di pausa, Sylvie Verheyde ci regala un piccolo grande film evitando accuratamente ogni forma di retorica, di luoghi comuni, di stereotipi... pur parlando (cosa non facile) di sentimenti e di adolescenza (e senza fastidiose tentazioni nostalgiche).
Temi portanti del film sono l'amore l'amicizia la compassione il dolore la solitudine… i disagi e i traumi che ogni essere in fase di crescita prova sulla sua pelle (e in cui ognuno di noi può riconoscersi) e il tutto offrendo un quadro acuto e intelligente non solo dell'adolescenza e del pianeta donna ma anche delle famiglie in disgregazione, delle banlieus di Parigi, degli anni Settanta (perfettamente ricostruiti).

Regia e sceneggiatura si spostano armoniosamente e abilmente tra due mondi diversi e contrastanti (l'elegante scuola borghese e il bar tumultuoso -frequentato da ubriaconi disadattati criminali- dove la protagonista passa gran parte della giornata), due mondi (ritratti con sobrietà e sincerità) che aiuteranno Stella, fragile e determinata al contempo, a scoprire nuove realtà e a maturare con graduale consapevolezza.

Una narrazione ironica ma anche triste e romantica (a tratti anche violenta), leggera pur affrontando temi seri e difficili, che cattura immediatamente la nostra attenzione rendendoci partecipi e complici come raramente accade.

Un film (in gran parte autobiografico, la regista ha trascorso l'infanzia nei quartieri poveri di Parigi dove i suoi genitori gestiscono un caffé) garbato e sensibile che intenerisce commuove diverte coinvolge... Un film senza eccessi didascalici o consolatori che, inducendo a riflettere su noi e il nostro passato, ci invita a prestare maggiore attenzione ai giovani, ad ascoltarli, a comprenderli nonostante tutto. Un film che (sorprendentemente e in controtendenza) esalta il valore della cultura e del suo potere di riscatto e libertà.

Giustissimo quanto scrive Marco Lodoli su Repubblica: "...andrebbe fatto vedere a tutti i ragazzi delle periferie italiane… quelli che devo convincere in ogni modo a non abbandonare aule e libri, perché se mollano è la fine, per loro fuori ci sarà solo desolazione e miseria, anche se sono convinti del contrario".
Eppure, al contrario di quanto accaduto in Francia, la nostra censura lo ha vietato ai minori: incomprensibile!

Bravissima nella sua credibilità l'esordiente Léora Barbara, ma un plauso anche a Karole Rocher e Benjamin Biolay (nei panni dei genitori di Stella) e a Guillaume Depardieu (nella sua ultima apparizione).

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"Mario il Mago" di Tamás Almási

2008-12-03T09:06:00.001-08:00

Con
Franco Nero, Nyako Julia, Vittorio Marsiglia
Antonio Grosso, József Gyabronka, Ági Szirtes,
Zsolt Trill, Vilmos Vajdai, Tibor Gáspár
Commedia, 100 min,
Ungheria Italia 2008, L'Altrofilm
[Uscita nelle sale Venerdì 28 Novembre 2008]

"Mario il Mago" (il titolo è tratto da un racconto di Thomas Mann in polemica col fascismo, polemica trasferita qui contro il capitalismo) è diretto e sceneggiato da Tamás Almási, finora noto come documentarista (tempo fa vinse il Premio Pulitzer per i suoi lavori sulle condizioni di vita delle donne in Ungheria).
E sono le donne a primeggiare in questa commedia agrodolce (i fatti narrati sono realmente accaduti) che inizialmente sembra centrare la sua attenzione su un popolo in cerca di identità quando, dopo la caduta del muro di Berlino, democrazia e capitalismo si affacciano all'Est. In effetti abbiamo una storia al femminile dal finale tragico che vede la protagonista in preda a una ossessione amorosa che la porterà alla pazzia: dramma di una donna ridotta alla follia dai suoi sogni scambiati per realtà.

Un film indipendente, dal basso costo (e si vede… ma questo di per sé non è un male) che soffre per una sceneggiatura che non cura nel dovuto tutti i personaggi e risulta eccessivamente sbrigativa in risvolti che sono invece importanti nello svolgersi della narrazione. Il ritmo lento, i tempi morti, le inquadrature per lo più statiche, il contenuto troppo scopertamente didascalico, il bozzettismo affiorante qua e là... non migliorano la situazione: solo le ultime scene coinvolgono e catturano l'attenzione dello spettatore.
Purtroppo il film (assurdamente!) è doppiato, il che non rende le difficoltà e le incomprensioni del rapporto tra i due protagonisti, Veronica ungherese Mario italiano (difficoltà e incomprensioni su cui tutta la storia è imperniata).

Brava Júlia Nyakó, poco convincente Franco Nero (qui in veste anche di produttore), sopra le righe Vittorio Marsiglia.

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"Solo un padre" di Luca Lucini

2008-12-02T20:05:00.001-08:00

Con Luca Argentero, Diane Fleri,

Fabio Troiano, Anna Foglietta, Sara D'amario,
Alessandro Sampaoli, Michela Gatto, Fabiana Gatto, Claudia Pandolfi
Commedia, 93 min,
Italia 2008, Warner Bros
[Uscita nelle sale Venerdì 28 Novembre 2008]

Lodevole equilibrio tra commozione e divertimento, toni agrodolci e sommessi, leggerezza e sostanza caratterizzano il nuovo film di Luca Lucini (al suo attivo l'allegro e intelligente "L'uomo perfetto", oltre che il campione d'incassi "3 metri sopra il cielo"): un film "fatto di piccole emozioni e lontano dallo stile deprecabilmente urlato di tanto cinema di genere delle nostre parti" (FilmUp).

Ispirata a Le avventure semiserie di un ragazzo padre dell'australiano Nick Earls ("romanzo che mescola a giuste dosi umorismo, vita vissuta e tragedia" Panorama), una commedia corale, delicata e garbata, seria e scanzonata, comica e malinconica al contempo (col suo elargire armoniosamente sorrisi e lacrime), romantica al punto giusto e che ha il merito di offrire interessanti spunti di riflessione. Una storia piccola ma non provinciale (potrebbe svolgersi in qualsiasi parte del mondo occidentale), un film di sicuro impatto emotivo e attento alle diverse psicologie, un lavoro che vede finalmente la cinematografia italiana trattare argomenti non frivoli con leggerezza ma non con volgarità o superficialità: "un bel modo di affrontare temi complessi senza retorica e senza la mano pesante e autoreferenziale di gran parte del nostro cinema" (Cinemadipendente).
"Solo un padre" è un film profondamente umano che parla delle difficoltà della vita e delle possibilità di affrontarle al meglio, un messaggio di speranza positivo ma non banale.

Più che buona la direzione degli attori, tutti bravi e accattivanti: abile Lucini nel creare un forte rapporto di empatia tra spettatore e protagonisti (un sempre più convincente Luca Argentero, una splendida Diane Fleri ormai non più semplice promessa del cinema italiano).
p.s.
Peccato (veniale?) la musica che spesso si mostra invadente e soverchia le immagini.

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"Palermo Shooting" di Wim Wenders

2008-12-01T19:42:00.000-08:00

Con Campino, Giovanna Mezzogiorno,

Milla Jovocich,
Lou Reed, Dennis Hopper
Drammatico, 124 min,
Germania 2008, Bim
[Uscita nelle sale Venerdì 28 Novembre 2008]

"Wim Wenders, a differenza della Morte rappresentata da un Dennis Hopper biancovestito, manca completamente il bersaglio" (My Movies).
La stragrande maggioranza dei critici è sostanzialmente d'accordo con questa stroncatura.

Dopo il notevole Non bussare alla mia porta, il regista tedesco ci presenta questo Palermo Shooting (Appuntamento a Palermo), da lui stesso accorciato di ben 18 minuti (rispetto all'edizione vista al 61° Festival di Cannes, con fischi alla fine della proiezione e giudizi negativi).

Tra veggenza ed esotismo, una riflessione sulla vita e sulla morte eccessivamente didascalica e assurda (molti critici sostengono che a volte rasenta il ridicolo e l'imbarazzo), con banalità e attimi di noia che appaiono qua e là e per di più con alla base una trama "vecchia e risaputa" (Il Mattino).
Un'opera dall'affascinante e splendida fotografia, con una colonna sonora accattivante (ma non sempre collegata a quanto vediamo sullo schermo), elegante nello stile... ma retorica e pretenziosa, saccente e non particolarmente originale nelle continue riflessioni filosofiche e metafisiche sull'angoscia del vivere e sull'impossibilità di distinguere il reale dal falso. Un lavoro che si ispira ad Antonioni e Bergman (ma anche a David Lynch) senza raggiungerne però i traguardi.

Una Palermo labirintica ("da un lato grottesca e bruciante, dall'altro imponente eppure delicata, profondamente ferita eppure sempre pronta a rialzarsi", parole del regista) che sa troppo di cartolina (il film è finanziato soprattutto dalla Regione Sicilia, e si vede…), attori non particolarmente brillanti non migliorano la situazione di un lavoro che dovrebbe analizzare in profondità una crisi esistenziale ma che sostanzialmente risulta velleitario e pieno di luoghi comuni.

Da approvare in pieno il giudizio finale di Dgmag: "Wim Wenders, se vuole tornare ad avere successo, deve costruire delle storie e non delle fotografie".

p.s.
Il protagonista del film Campino (pseudonimo di Andreas Frege) nel 1982 ha fondato I Die Toten Hosen, la band rock di lingua tedesca di maggior successo al mondo: i loro dischi hanno superato i 10 milioni di copie vendute.

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"Nessuna verità" di Ridley Scott

2008-12-01T08:11:00.000-08:00

(Body of Lies)

Con
Leonardo Di Caprio, Russell Crowe, Mark Strong
Drammatico, 128 min,
USA 2008,
Warner Bros
[Uscita nelle sale Venerdì 28 Novembre 2008]

E' dal 1977 (anno in cui debutta splendidamente alla regia con "I duellanti" premiato a Cannes) che Ridley Scott ci ha abituato alternativamente a capolavori (Alien, Blade Runner, Thelma & Louise), a grandi successi commerciali (Il Gladiatore, Black Rain, Hannibal, American Gangster) ma anche a opere mediocri (Albatros, 1492 La Conquista del Paradiso, Soldato Jane).
Questo "Body of Lies" piacerà a chi ama le spy-story e vuole avventura e ritmo, risulterà meno gradito a chi dal cinema pretende qualcosa di più sostanzioso.

Tratto dal romanzo di David Ignatius (giornalista del Washington Post), in America non ha avuto il successo che ci si aspettava ("Il problema è che negli Stati Uniti la guerra al terrorismo è una maledizione anche al botteghino: Nella valle di Elah, The Kingdom, Rendition, Redacted, Leoni per agnelli sono stati dei flop" scrive Venerdì di Repubblica).
In Italia ha ricevuto recensioni tutt'altro che entusiasmanti (Liberazione: Ridley Scott, oramai anonimo regista da spot, ripete meccanicamente la sua visione dicotomica del mondo divisa tra bene e male, buono e cattivo. La Repubblica: è solo una efficiente "serie B" d'avventure gonfiata a forza di steroidi. Il Messaggero: semplicistico e anche tedioso… Improbabili le figure toccate in sorte ai due divi di turno. Il Manifesto: ...eroe buono laico vince fondamentalista cattivo, seduce bellezza locale femminista, supera come al videogame ogni agguato fatale. Film.tv: Un film che non appassiona. Il Giornale: Il sessantenne Ridley Scott confeziona un altro «mattone»).

Il montaggio è frenetico (del premio Oscar Pietro Scalia), l'azione abbonda, lo spettacolo visivo è esaltante, gli effetti speciali sono grandiosi, l'attenzione è quasi sempre catturata, il carisma delle due star è salvo: Ridley Scott conferma di essere un grande professionista.
Ma la retorica affiora qua e là, la lunghezza è eccessiva, la trama è un po' farraginosa, il romanzesco a volte prevale, ingenuo e inutile il didascalismo, un po' troppo prevedibile il procedere del racconto, scontata e superflua la storia sentimentale, superficiale il manicheismo del tutto, pericoloso e inaccettabile il messaggio finale sull'impossibilità di rispettare qualsiasi principio etico.

Non è un film denuncia, un'opera che ambisca ad andare controcorrente, un lavoro che intenda indurre alla riflessione e alla discussione (come lo erano gli ottimi Syriana e Leoni per agnelli): è semplicemente un prodotto ottimamente confezionato, un blockbuster adrenalinico, un action movie diretto con maestria, un lavoro di puro intrattenimento, un'occasione per ammirare ancora una volta la bravura di Di Caprio e Crowe (ma un applauso va anche a Mark Strong).

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Stagione 2007-2008: il bilancio definitivo

2008-11-26T23:02:00.001-08:00

Alla conferenza, tenutasi a Roma il 25 Novembre, sul tema "L'Anno cinematografico 2008. I dati e le prospettive dell'industria Cinematografica" si è avuta la doppia conferma che la capitale è in vetta alla classifica dei biglietti venduti e che, in controtendenza a quanto avviene in Europa, il cinema nel nostro Paese (benché sia presente una leggera flessione) nel 2008 ha registrato una buona tenuta, soprattutto grazie al successo di vari film italiani.

La Conferenza (che è servita anche a presentare l'edizione 31 delle Giornate Professionali di Cinema di Sorrento che si svolgerà dall'1 al 5 Dicembre e che vedrà la presentazione dei nuovi listini) è stata caratterizzata dal grande ottimismo: la quota nazionale è al 26% 8 e le prossime uscite natalizie potrebbero far salire la percentuale al 33% (ma gli Usa sono aumentati dal 55% al 61%, a discapito delle produzioni europee). Nei primi dieci incassi ci sono 5 produzioni italiane e 5 americane.
A parere degli addetti ai lavori il futuro è roseo anche se, lo ha detto Paolo Protti (presidente dell'Anec), alcune cose vanno cambiate: è sbagliato concentrare tanti film tutti insieme ("occorrerebbe una sorta di palinsesto tv") -1- ed è errata la vicinanza troppo ristretta tra i tre principali Festival (Venezia Roma Torino), tutti ammassati tra settembre e novembre. Il presidente dell'Anica Riccardo Tozzi ha concordato sostenendo, inoltre, che "per evitare l'eccesso di concorrenza" occorrerebbe ridurre drasticamente il numero delle pellicole proposte nei suddetti festival.

E' giustificato l'ottimismo? Si può parlare di una vera rinascita del cinema italiano?
Salta agli occhi che solo un film d'autore italiano ("Gomorra") è tra i primi dieci, e che nei primi trenta non compare il lodatissimo "Il Divo".
L'Avvenire scrive giustamente che "la corazzata del cinepanettone continua a trainare il mercato, tra gag demenziali e lazzi volgari sempre uguali a se stessi". E La Stampa ironizza, con pessimismo: "Dov'è la sorpresa? Non c'è. Gomorra, il film fenomeno della stagione, premiato a Cannes, in corsa per entrare nelle cinquine dell'Oscar, si è fermato a 10 milioni di incasso… Morale: il nostro cinema vive di commedia, il pubblico preferisce la leggerezza, e l'impegno, nonostante i premi e le critiche entusiaste, resta un lusso per pochi".

p.s.
La Conferenza, oltre che fare appello al governo per salvaguardare le monosale sempre più minacciate dai multiplex, ha annunciato l'entrata nel 2009 del 3D (tra l'altro, il sistema digitale -oltre che permettere un risparmio nella distribuzione e una maggiore flessibilità di programmazione- consentirà anche in Italia la visione di tutti i film in lingua originale).

-1- ma l’esagerazione continua ad imperare: basti vedere che venerdì 28 novembre escono nelle nostre sale ben 12 novità tra cui 5 sono italiane!

tutteleproblematiche

"Galantuomini" di Edoardo Winspeare

2008-11-26T07:02:00.000-08:00

Con Donatella Finocchiaro, Fabrizio Gifuni,
Beppe Fiorello,

Giorgio Colangeli, Gioia Spaziani
Drammatico, 110 min,
Italia 2008, 01Distribution
[Uscita nelle sale Venerdì 21 Novembre 2008]

E' stato uno dei lavori più discussi al Festival cinematografico di Roma il film del salentino Edoardo Winspeare (al suo quarto lungometraggio dopo una lunga esperienza come musicista-fotografo-montatore-tecnico del suono-aiuto-regista), prima opera italiana a mostrare una donna al comando di una cosca di stampo mafioso, "una storia d'amore impossibile con uno scheletro noir" (parole del regista), "un amore represso e impossibile che diventa metafora di una terra lacerata" (Il Messaggero) .

Dopo i lodatissimi "Pizzicata" (1996, premiato a San Sebastian) e "Sangue vivo" (2000, il primo film italiano presentato al Sundance), Winspeare torna a parlare del Salento: siamo tra gli anni 70 e 90, quando la Sacra Corona Unita (l'unica associazione criminale che è stata sconfitta), spadroneggiava in buona parte della Puglia.
Il titolo del film fa riferimento ai tempi andati, quando era più semplice riconoscere gli onesti, quando "la linea di demarcazione tra bene e male era più netta": l'intento del regista è invitarci a scoprire come le cose siano cambiate, sia riguardo alle persone che all'ambiente ("Winspeare racconta l'innocenza perduta di una generazione e della sua terra" , scrive Federico Gironi).
Un quadro desolante dove la criminalità e l'amore la fanno da padrone, un melodramma che vorrebbe mostrare come amore, amicizia, cronaca nera, condizionamenti materiali, speranze, bisogni...si leghino ambiguamente (e indissolubilmente) uno con l'altro. Un affresco con l'ambizione di non essere circoscritto al luogo dove la narrazione si svolge e di parlare di sentimenti, di decisioni, di scelte che potrebbero riguardare tutti noi (il regista ha dichiarato che il Salento "è una metafora del mondo. La mia terra è un valore aggiunto, il centro del mio mondo. Come diceva Tolstoj: il tuo villaggio è il centro del mondo, racconta il tuo villaggio e racconterai del mondo").
Le nobili intenzioni (sulla carta) non sembrano essersi realizzate (sullo schermo).
Un film dal finale giustamente aperto, dove sono importanti gli sguardi i gesti il non detto ma che vede l'irrompere improvviso di scene d'azione (ottime). Un film dove prevale l'introspezione e che dovrebbe indurre lo spettatore a più di una riflessione.. Ma il tutto non riesce a risultare credibile né a coinvolgere né ad emozionare (un certo senso di noia affiora qua e là): "l'impressione è di un film che non è in grado di comunicare con sufficiente chiarezza quale sia il suo vero interesse narrativo" (Comingsoon).
Andamento lento, risvolti nel racconto poco plausibili, eccessiva e fastidiosa insistenza sulla "cafonaggine" e "cialtronaggine", presenza di scene simil-hard (sembra proprio che il cinema italiano non ne possa fare a meno!) di cui non si sentiva la necessità, caduta nel mero sentimentalismo.
Dotato di grande talento visuale, il regista pugliese (ma nato in Austria) ha realizzato certamente un lavoro in cui impeccabili sono la messinscena, la fotografia, la colonna sonora, ma...
Scrive Il Giornale "È un film ambizioso e noioso": concordo pienamente.

E' la prima volta che Winspeare utilizza attori famosi.
Tutti i critici, anche chi ha gradito poco il film, non hanno lesinato lodi alla performance della protagonista (premiata con il Marc'Aurelio d'Argento come Miglior Interprete Femminile):
Il Foglio: Donatella Finocchiaro è bravissima; Cinemaplus: ...una Donatella Finocchiaro caleidoscopica, ora dolente, ora crudele, ora sensualissima; Il Corriere della Sera: ...la donna capoclan conquista il Festival; Spaziofilm: Un plauso a Donatella Finocchiaro, riesce a calarsi nel miglior modo possibile nel difficile personaggio che le è stato cucito addosso; La Stampa: ...grande bellezza e intensa bravura di Donatella Finocchiaro; Il Mattino: Donatella Finocchiaro è di una bravura almeno pari alla sua stordente sensualità.
Tanto entusiasmo non mi trova d'accordo. Donatella Finocchiaro è sicuramente una delle migliori presenze del nostro cinema e ha un forte magnetismo ma qui il suo personaggio risulta piatto e monocorde (nonché poco verosimile): stesso tipo di recitazione per tutto il film, senza la grinta e la forza che il ruolo richiederebbe.
Poco convincente nei suoi risvolti anche il magistrato interpretato da Fabrizio Gifuni e non attendibile il "drogato" Beppe Fiorello.
I più credibili risultano essere i bravissimi Giorgio Colangeli e Gioia Spaziani (il primo era stato premiato a Roma lo scorso anno per "L'aria salata" di Alessandro Angelini, la seconda si era già distinta con "Concorrenza sleale" -2001- di Ettore Scola… e meriterebbe di essere finalmente protagonista).

tuttelerecensioni

"Qualcuno con cui correre" di Oded Davidoff

2008-11-22T06:35:00.000-08:00

Con Bar Belfer, Yonatan Bar-Or,

Yuval Mendelson, Rinat Matatov, Tzahi Grad,
Danny Steg, Neomi Polani, Rami Davidoff
Drammatico, 118 min, Israele 2006, Medusa Films

[Uscita nelle sale Venerdì 21 Novembre 2008]

"Qualcuno con cui correre" permette "di svelare una città dai colori lividi, molto distante dall'immagine da cartolina e dall'idea corrente della città sacra e divina" (Repubblica). All'anteprima, David Grossman (autore del libro che ha ispirato il film) ha dichiarato: "La Gerusalemme che descrivo è esattamente come le altre città del mondo, una città normale… E' vitale, vibrante, ricca… E' la Gerusalemme delle fogne, dei drogati e dei senza casa, ma al tempo stesso della grazia della compassione della solidarietà".
Qualche critico l'ha paragonata alla Berlino anni 70 mostrata in "Christiane F - Noi i ragazzi dello zoo di Berlino" ma vedendo il film sembra più un ritratto aggiornato del mondo di Oliver Twist che una città vera o verosimile: una specie di corte di miracoli che rispecchia più certi ambienti del 68 che l'odierna realtà.

Stile neorealista (macchina da presa in mezzo alla strada, attori in massima parte non professionisti…) al servizio di inseguimenti drammi droga musica e amori che costituiscono l'ossatura del film, film che vuole essere, essenzialmente, una metafora sull'iniziazione all'età adulta.
Buona e originale l'idea di presentare il racconto in due azioni parallele ma sfasate nel tempo (una ragazza che finisce in un brutto giro, un ragazzo che la cerca) ma il tutto non riesce ad emozionare e coinvolgere lo spettatore. Difetta la mancanza di una analisi della società israeliana che dia significato a quanto vediamo e induca il pubblico a qualche riflessione.
Coprodotto da Luca Barbareschi, è un film a basso budget che ha avuto vari riconoscimenti (ha ricevuto l'Award of the Israeli Film Academy, è stato premiato al Miami Film Festival, ha trionfato al Giffoni Film Festival 2008).

Eccessivamente lungo, nella parte centrale sembra girare a vuoto e non aggiunge nulla di nuovo: il rischio noia è alle porte. Non migliora le cose la protagonista: Bar Belfer (al suo debutto come attrice) ha un viso bello e intenso ma non trasmette molto e non induce alla compartecipazione delle sue disavventure e delle sue speranze.

Resta comunque un film, a suo modo, interessante e insolito con l'intento di mostrarci come -in fondo- i giovani di tutto il mondo occidentale abbiano gli stessi problemi.

Da sottolineare che il film andrebbe visto nell'edizione originale: il doppiaggio, con accenni di romanesco e di partenopeo, è veramente sbagliato e rasenta la caricatura ("Qualcuno con cui correre" è l'esempio perfetto del cinema devastato dal doppiaggio, scrive Il Manifesto).

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Un omaggio a Ennio De Concini

2008-11-20T22:02:00.000-08:00

Il celebre sceneggiatore è morto, il 18 Novembre, a 85 anni (era nato a Roma il 9 Dicembre 1923).
Protagonista indiscusso del nostro cinema migliore degli anni 60 (ha firmato più di 170 soggetti), vinse l’Oscar con “Divorzio all’italiana” (1961).
A lui si deve l’invenzione dell’ispettore Cattani de “La Piovra”.

Eclettico prolifico e generoso, nella sua lunga carriera (aveva iniziato con “Sciuscià” di Vittorio De Sica) Ennio De Concini ha affrontato tutti i generi: non solo il film d’autore ma anche l’horror, la commedia, il kolossal, il melodramma, il thriller, il documentario, la fantascienza… Fu, come ha scritto Il Manifesto, “la sintesi della storia del cinema artistico e industriale occidentale e della televisione italiana, dal dopoguerra a oggi”.

Dopo una laurea in Filosofia, divenne giornalista e commediografo e affrontò anche la regia: il più famoso fu “Gli ultimi dieci giorni di Hitler” (1973), con Alec Guines (per la critica il migliore “furher” dopo Chaplin).

Di lui hanno detto:
Il Messaggero: E’ lo sceneggiatore che ha raccontato il Paese.
La Stampa: De Concini, l’anima del cinema.
L’Unità: …voce narrante dell’Italia del boom.
Il Manifesto: Seppe collegare Antonioni e Maciste.
La Nazione: Ha creato tante storie e tanti dialoghi da diventare lo sceneggiatore italiano per antonomasia.

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"Changeling" di Clint Eastwood

2008-11-15T07:42:00.000-08:00

Con Angelina Jolie, John Malkovich,
Jeffrey Donovan, Colm Feore,
Jason Butler Harner
Drammatico, 140 min
USA 2008, Universal Pictures[Uscita nelle sale venerdì 14 Novembre 2008]

L'argomento è forte, le intenzioni sono nobili… ma il film (considerato chi è il regista) delude.

Presentato al 61° Festival di Cannes con svariati elogi da parte della critica, "Changeling" (nel vocabolario inglese il termine indica una bambino sostituito) è una grande produzione che affronta temi importanti e ha il coraggio di denunciare le storture della giustizia americana.
Ma non sembra un film degno del grande Clint che ci aveva abituato a una intensità, a una sobrietà, a una essenzialità sempre più rare sul grande schermo.

Non vi sono sfumature: tutto è mostrato, tutto è spiegato all'eccesso, niente è lasciato alla intuizione e all'immaginazione, all'inquietudine e incertezze dello spettatore. La storia che ci viene raccontata è vera (un drammatico fatto di cronaca dell'America alla fine degli anni Venti) ma il film non sembra credibile. Non è verosimile il modo con cui polizia e manicomio vengono rappresentati: sembra di assistere a un film di guerra degli anni 50, dove i tedeschi erano necessariamente macchiette sanguinarie a tutto tondo.

Un'opera eccessivamente, e inutilmente, troppo lunga, massimamente didascalica e a volte sentenziosa, dal grosso budget talmente evidenziato che procura fastidio (la perfetta ricostruzione dell'epoca è "sbattuta" in faccia al pubblico anche quando non è necessario). Un'opera che nell'ultima mezz'ora perde di mordente e di tensione, sembra girare a vuoto, risulta superflua.

Dopo "I ponti di Madison County", è il secondo lavoro di Clint Eastwood imperniato su una figura femminile. Ma non solo Angelina Jolie non è Meryl Streep, ma il suo personaggio risulta piatto e incolore: la regia ha delineato una figura monocorde, dalle espressioni e atteggiamenti in contrasto con il suo agire. Una donna dallo spirito irriducibile (che racchiude in sé il meglio del coraggio, della forza d'animo, della volontà di non piegarsi), combattiva e tenace al massimo ma che si muove, contradditoriamente, come una "mammoletta", sempre truccatissima e curata, sempre altamente elegante, sempre giovane e bella (tranne una piccola parentesi): il che impedisce allo spettatore di partecipare, di commuoversi, di lasciarsi interamente coinvolgere dalla tragedia di cui si parla.
Si pensi, nel su citato film del 1995, alla celebre scena della mano di Meryl Streep sulla maniglia della macchina (una delle più belle dell'intera storia del cinema): in pochi attimi abbiamo tutto un mondo di infelicità e di angoscia espresso come meglio non si potrebbe. In due ore e mezzo, "Changeling" non riesce che a trasmetterne una pallida e asettica immagine.

Si diceva all'inizio del coro di elogi che il film ha ricevuto a Cannes. Non manca però qualche voce discordante (e che mi trova perfettamente d'accordo): Il Corriere della Sera scrive "È la prima volta dove il personaggio femminile non abbia lati oscuri, sia in qualche modo così «monocorde»... Il film ci lascia la conferma dell'abilità di Eastwood come regista e come narratore, ma in fondo lo sapevamo già"; su Il Foglio leggiamo "Troppo lungo per quel che ha da raccontare"; Il Mattino sostiene "...il nucleo narrativo si disperde in troppi rivoli e la ricostruzione in costume insinua una patina di maniera"; Repubblica infine ironizza "Angelina Jolie, sempre col cappello in testa, onora il contratto senza sollevare il nostro tasso di partecipazione emotiva alle sue ambasce".

Da apprezzare la splendida fotografia e la colonna sonora (suggestiva e malinconica, scritta dallo stesso Eastwood), ma soprattutto l'evidente indignazione morale del regista di fronte a una vergogna umana sociale politica, la sua rivolta contro un potere repressivo arrogante corrotto prevaricatore, che inganna e umilia... e a cui nulla sembra opporsi.

p.s.
Il doppiaggio non contribuisce alla credibilità del film

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"Si può fare" di Giulio Manfredonia

2008-11-13T09:13:00.000-08:00

Con Claudio Bisio,
Anita Caprioli, Giuseppe Battiston,
Giorgio Colangeli, Bebo Storti.
Commedia, 111 min, Italia 2008, Warner Bros
[Uscita nelle sale 31 Ottobre 2008]

Presentato con enorme successo di pubblico e di critica al Festival cinematografico di Roma (ma inspiegabilmente escluso dal concorso).

Dato l'argomento vi era il pericolo di cadere nella retorica o nel melenso: ma il film evita accuratamente ogni forma di pietismo. Un lavoro che poteva facilmente scivolare nel patetico, nel macchiettistico, nel didascalico… e che invece risulta asciutto, profondo e commovente, serio e scanzonato al contempo, sempre intenso e coinvolgente.

Un tema scomodo (che amiamo rimuovere) trattato con delicatezza e intelligenza, con umanità e sensibilità: un mix di pianto e risate, humor e drammaticità, calibrato e misurato al massimo, che inizialmente può procurare disagio e angoscia e che si risolve in una vera e propria esaltazione, garbata e toccante, dell'amore, dell'amicizia, della integrazione, della solidarietà ("la prova che, se si vuole, «si può fare»" scrive Repubblica).
Un film, che pur dolce e ironico, affettuoso e sorridente, scuote le nostre coscienze: ambientato negli anni 80 in una Milano superficiale e dedita al culto dell'effimero, ci fa riflettere molto sulle utopie e sui valori essenziali della vita.

Scritto e sceneggiato da Fabio Bonifacci, diretto da Giulio Manfredonia (buon sangue non mente… è il nipote di Luigi Comencini), ispirato a fatti reali (la storia della cooperativa Noncello di Pordenone), un film che ci fa sognare e credere che l'umanità sia migliore di quanto comunemente si creda ("racconta un'utopia possibile e disperatamente ottimista, di quell'ottimismo forse cieco ma necessario come il pane al giorno d'oggi" scrive Federico Gironi).

Avvincente e sempre credibile, mai deprimente né banale, un film (in cui l'intero cast -mai sopra le righe- dà uno straordinario contributo) degno di essere visto come pochi e che cattura lo spettatore, attento e partecipe come non sempre accade.

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Auguri, Maestro!

2008-11-13T07:56:00.000-08:00

Ennio Morricone Lunedì 10 Novembre ha compiuto 80 anni. Più di cinquant'anni di splendida carriera, oltre cinquecento colonne sonore, innumerevoli opere teatrali, lavori sinfonici, composizioni corali, musica da camera...

Scrive Chiara Papaccio: "La musica e il cinema si accompagnano da sempre, ma in qualche caso vanno più d'accordo del solito. Succede regolarmente con Ennio Morricone: la sua musica per decenni ha nobilitato anche film che non erano capolavori e li ha trasformati in tali, se non per i critici almeno per il pubblico…".

80 anni e gli impegni non finiscono, anzi. Ultimata la colonna sonora di "Resolution 819" di Giacomo Battiato (premiato all'ultimo Festival di Roma), è ora alle prese con "Baaria" di Giuseppe Tornatore e "Inglorious Basterds" di Quentin Tarantino.
In suo onore si è tenuto Lunedì un concerto evento nell'Aula Magna dell'Università La Sapienza di Roma: eseguita in prima assoluta la composizione, testi di Bruno Cagli (presidente dell'Accademia di SantaCecilia), "Melodie dal Silenzio".

Ennio Morricone ("ambasciatore d'Italia nel mondo" ha detto Mauro Cutrufo, vicesindaco di Roma), nato nella capitale il 10 Novembre 1928, si è diplomato in tromba nel 1946 e, nel 1954, in composizione sotto la guida di Goffredo Petrassi. Ha affrontato tutte le forma musicali ma è il cinema ad averlo reso universalmente celebre (prima colonna sonora: "Il Federale" di Luciano Salce del 1961).
Nel 1995 è stato premiato a Venezia con il Leone d'oro e nel 2007 con l'Oscar alla carriera (consegnatogli da Clint Eastwood "per i suoi magnifici e sfaccettati contributi nell'arte della musica per film"). Ma i premi e i riconoscimenti non si contano:
8 Nastri d'argento, 5 Bafta, 5 nomination all'Oscar, 7 David di Donatello, 3 Golden Globe, 1 Grammy award, 1 European film award, 27 Dischi d'oro e 7 Dischi di platino...

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"Un altro pianeta" di Stefano Tummolini

2008-11-08T08:25:00.000-08:00

Con Antonio Merone, Lucia Mascino, Chiara Francini,
Tiziana Avarista, Francesco Grifoni,
Mario Grossi, Saschat, Francesco Zecca, Michele D'Aiello
Drammatico, durata 81 min
Italia 2008 - Ripley's Film
[Uscita nelle sale venerdì 7 Novembre 2008]

Lo scorso anno a Venezia le Giornate Degli Autori ci avevano regalato quel piccolo gioiello de "La ragazza del lago" di Andrea Molaioli. Quest'anno il bis con il debutto low-cost di Stefano Tummolini, sceneggiatore de "Il bagno turco" di Ferzan Ozpetek e autore del romanzo "La guerra dei sessi" (al suo attivo anche vari cortometraggi, una monografia su Neil Jordan, un saggio sul melodramma cinematografico).

La giuria del Queer Lion Award, premio collaterale organizzato da CinemArte e dedicato al miglior film con tematiche omosessuali, tra 15 concorrenti lo ha premiato con la seguente motivazione:
"per l'apprezzabile rappresentazione di una galleria di personaggi con storie, vissuti, gioie, speranze, che attraverso sguardi, incontri di corpi, sesso, parole, musica, si conoscono, si confrontano, si amano e si lasciano. La vita insomma, in 'un altro pianeta'".

E' la conferma che per realizzare un buon film non servono enormi capitali e grandi attrezzature: necessitano idee chiare e valide.
Un po' Rohmer, un po' Ozpetek, un po' Zavattini, è un ottimo esempio di giovane cinema italiano indipendente (in gestazione per dieci anni e poi realizzato in digitale in pochi giorni e con meno di mille euro).
Un film onesto e sincero, semplice ed essenziale, lieve e ironico al punto giusto, gentile e dolcemente malinconico, molto vero e reale. Un film intimo e sensibile che ci salva dall'overdose di pretenziosi blockbuster con cui il grande schermo ci inonda sempre più spesso e in cui ogni spettatore potrà ritrovare i desideri le aspirazioni le aspettative le difficoltà le ambiguità le contraddizioni le malinconie la solitudine le banalità... di ogni individuo nella sua quotidianità.
Come sottolinea Federico Gironi, un film che evidenzia la "necessità della riscoperta e del recupero dell'amore (inteso in senso ampio ed esistenziale) e della tenerezza come chiave della vita e dei rapporti interpersonali", rapporti che ci stimolano ad abbandonare la maschera con cui ci proteggiamo… "un tema centrale -ha dichiarato giustamente il regista- in un'epoca, quella televisiva, dominata dal travestimento".
"Il travestimento" è in ognuno di noi: "Un altro pianeta" lo mostra attraverso una galleria di personaggi il cui essere reale si disvela a piccole tappe, a minimi accenni: "un uomo minaccioso e rapace è in realtà l'ultimo dei romantici che si commuove ricordando Leopardi, una giovane acqua e sapone nasconde un terribile segreto, un intellettuale antipatico si scopre altruista, un attore esuberante si rivela un dannato egoista" (Il Messaggero).
Non sono le problematiche gay le protagoniste. Quanto accade nel film, quel che sente ogni personaggio, è attribuibile a ogni essere umano indipendentemente dal suo sesso ed è questa la forza del lavoro di Tummolini: siamo tutti uguali, abbiamo tutti bisogno l'un dell'altro.

Coinvolgente e senza tempi morti, grazie a una sceneggiatura mai banale che acquista spessore man mano che la storia procede, il lavoro si fa apprezzare anche per l'ottima fotografia, per l'appropriata e misurata colonna sonora (mai invadente), per il sapiente l'utilizzo della macchina, per la notevole prestazione dell'intero cast (tutti giovani attori di teatro).

Un encomio particolare al finale, intenso e struggente.

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"La banda Baader Meinhof" di Udi Edel

2008-11-04T19:52:00.000-08:00

(Der Baader Meinhof Komplex)

Con Martina Gedeck, Moritz Bleibtreu,
Bruno Ganz,
Alexandra Maria Lara, Johanna Wokalek
Drammatico, 149 min, Germania 2008, Bim
[Uscita nelle sale venerdì 31 Ottobre 2008]

In patria ha suscitato polemiche a non finire (accusato assurdamente, tra l'altro, di celebrare le gesta romantiche di criminali tanto feroci) ma al botteghino è stato un trionfo.
E' stato sicuramente uno degli eventi più importanti del Festival cinematografico di Roma, suscitando però perplessità se non aperta delusione: abbiamo la rievocazione degli anni del terrorismo (dal 67 al 77) che vide protagonista la cosiddetta banda capeggiata da Andreas Baader e Ulrike Meinhof, la RAF (Rote Armee Fraktion), fonte di ispirazione anche per le nostre BR.

Udi Edel, aiutato da Stefan Aust (direttore per molti anni di "Der Spiegel", è suo un libro-inchiesta ritenuto il testo più autorevole sull'argomento) e da Bernd Eichinger (sceneggiatore e produttore della pellicola), ha coscientemente affrontato notevoli rischi nell'analizzare avvenimenti così incandescenti e scomodi per l'intera Germania (e non solo) anche per la non eccessiva distanza temporale.
Il film inizia (ed è la parta migliore) con l'affresco del clima sociale politico culturale che è alla base del terrorismo: non certo per "giustificare" ma per "spiegare" quel che poi sarebbe accaduto (il passaggio dalla rivolta intellettuale alla lotta armata, dal volere una società più umana alla perdita della propria umanità) e in tutto il mondo occidentale (scrive giustamente Glauco Almonte: "Edel si dichiara dalla parte del movimento ma non da quella dei terroristi: è una scelta coraggiosa, poteva limitarsi a raccontare una storia rimanendone al di fuori, senza prendere posizione"): il personaggio interpretato dal sempre ottimo Bruno Ganz (il capo delle forze di polizia), con quello che dice, ne è l'emblema.

Man mano che si va avanti però, si ha l'impressione che ai realizzatori del film interessino più la spettacolarità che l'approfondimento psicologico dei vari personaggi e l'analisi del contesto storico. Sceneggiatore e regista hanno messo le mani avanti dichiarando in una intervista, che dei terroristi "bisognava dare risalto a quello che sono state le loro azioni, prima che il loro pensiero, azioni criminali gravissime che hanno progressivamente segnato anche la loro fine". Resta però il fatto che accentuando il ritmo e lo stile da action movie, evidenziando al massimo la farneticante pazzia dei protagonisti fino a rasentare a volte il grottesco, il tutto diviene alquanto approssimativo e impedisce allo spettatore di partecipare emotivamente. E' evidente che il regista, con il suo procedere impersonale, distaccato e quasi freddo vuole che "il film ponga interrogativi senza dare risposte", lasciando al pubblico ogni giudizio politico ed etico con il suo presentare semplicemente dei fatti… ma i fatti, innumerevoli, si susseguono uno dopo l'altro senza suscitare però emozione e affievolendo notevolmente l'interesse in chi vede.
Non tutto poi è credibile e verosimile (possibile che chi vive in clandestinità, in città assediate alla ricerca di esponenti dell'estrema sinistra, si vesta e si comporti come ci viene mostrato?).

Eccessivamente e inutilmente lungo (stanchezza e noia affiorano qua e là), il film formalmente è ben fatto (buono l'utilizzo delle luci naturali, della macchina a mano, delle location originali, degli effetti speciali non dominanti) ed offre una eccellente performance da parte dell'intero cast.

Il risultato finale è di essere anni luce lontano dalla tensione morale dei celebri e trascinanti "Anni di piombo" di Margarethe Von Trotta e "Christiane F. - Noi ragazzi dello Zoo di Berlino" che fece giustamente conoscere e apprezzare Udi Edel in tutto il mondo.

Il film è stato candidato dalla Germania al premio Oscar.

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I Classici: "Smoke"

2008-11-02T19:50:00.000-08:00

Un film di Wayne Wang, Paul Auster

Con Harvey Keitel, William Hurt,
Forest Whitaker, Harold Perrineau, Jr.,
Stockard Channing,
Ashley Judd,
Victor Argo, Giancarlo Esposito
Genere Commedia,
colore 112 minuti
Produzione USA 1995.

Vincitore dell'Orso d'argento al Festival di Berlino (ma tutti concordano che avrebbe meritato il primo premio), è uno dei migliori film dell'intera storia cinematografica americana (a Berlino fu presentato col suo seguito, 'Blue In the Face', girato negli stessi posti, con gli stessi personaggi… Colpevolmente i distributori italiani hanno separato le due opere).

Un lavoro che ti riconcilia con la vita e ti persuade che l'uomo non è poi tanto da disprezzare. Un film che rivaluta la parola e la comunicazione interpersonale come bene supremo, che ti fa comprendere quali siano i veri ed essenziali valori di una esistenza degna di essere vissuta. Un film massimamente coinvolgente che si vorrebbe non finisse mai, dove non sai se ammirare maggiormente la sceneggiatura, la formidabile prestazione dell'intero insuperabile cast, l'atmosfera di profonda umanità che si respira.
'Smoke' è un'opera, semplice e complessa al contempo, che non ci si stanca di vedere e rivedere: ogni immagine è da assaporare, ogni dialogo o monologo è un gioiello di intelligenza e di sensibilità.
Lode a regista e scrittore, a Wayne Wang e Paul Auster, per averci regalato due ore preziose che onorano la cinematografia, una perla rara che riconcilia con Hollywood.
Il finale è quanto di meglio si sia mai visto (e ascoltato!) sul grande schermo.

"...personaggi normali ed eccentrici insieme che, se esistessero, meriterebbero l'Oscar della simpatia" (ilMorandini).
"Film straordinario… Gli ultimi cinque minuti, che visualizzano il racconto natalizio di Keitel, possono entrare nella leggenda del cinema" (ilFarinotti).
"Smoke è un film esuberante e malinconico, con la sua chiave espressiva deliziosamente spiegata nell'ultimo episodio; e fu accolto alla grande nel corso della 45esima Berlinale, dove la giuria (sbagliando come al solito) le assegnò soltanto il secondo premio" (Il Corriere della Sera).
"Smoke, Orso d'argento a Berlino 1995 (ma avrebbe meritato l'Orso d'oro, e si è comunque preso dal pubblico gli applausi di un gran premio)… Leggero come il fumo, ma toccante, divertente, bizzarro, vero nei sentimenti..., Smoke è un film inconsueto e speciale" (Repubblica).
"Auggie... non si dimentica mai di scattare ogni mattina, sempre alla stessa ora, la stessa foto del palazzo di fronte al suo negozio. Un tipo un po' pazzo? Non si direbbe. Anzi, stando dietro il bancone, ha forse capito più di altri che cosa conta davvero nella vita" (Il Sole-24 Ore).
"Un film bello e anche caro, caldo…" (La Stampa).
"Un film sull'amicizia in cui quasi nessuno trova quel che cerca ma impara a conoscere meglio il suo prossimo" (Scanner.it).
"C'è una sceneggiatura scritta con grande precisione e bravura, incentrata su dialoghi allo stesso tempo ironici e malinconici, leggeri e profondi. C'è un cast in stato di grazia... C'è una regia pronta a coglierne le più sottili sfumature, a svelarne ogni più nascosta malinconia. Grande cinema" (Sunchaser.it).
"Keitel è strepitoso, Hurt del tutto rigenerato: il loro duetto, in sottofinale, è semplicemente memorabile" (Tempi Moderni).

tuttiiclassici

"Haiti Chérie" di Claudio Del Punta

2008-10-28T08:15:00.001-07:00

Haïti Chérie

di Claudio Del Punta
Con Yeraini Cuevas, Valentin Valdez,
Jean Marie Guerin, Juan Carlos Campos
Genere Documentario, colore 100 minuti
Produzione Italia 2007
Distribuzione Esperia Film
[Uscita nelle sale venerdì 26 settembre 2008]

In una ideale classifica tra i film più riusciti ma meno considerati dall'opinione pubblica, "Haiti Cherie" sarebbe sicuramente ai primi posti.
Assurdo che un'opera importante come questa abbia atteso quasi due anni per approdare nelle nostre sale: il 26 Settembre a Torino, il 24 Ottobre a Roma (le oscure e misteriose vie della distribuzione cinematografica in Italia fanno parte di un labirinto nel quale è facile perdersi scrive Alice Casalini).
Interpretato in massima parte da attori non professionisti, cinepresa a mano, mancanza di luci artificiali, corale e intimista al contempo, in bilico tra narrazione e documentazione, "Haiti Cherie" (il titolo deriva da una canzone di Toto Bissainthe, celebre attrice e cantante haitiana, le cui melodie sono alla base della colonna sonora del film) descrive le terribili condizioni di vita nelle piantagioni domenicane e le vicissitudini dei protagonisti nel lungo viaggio per sfuggire a quell'inferno.
Forse sarebbe stato opportuno delineare meglio i personaggi, renderli più complessi e sfaccettati ma l'intento di Claudio Del Punta (distintosi finora come autore di commedie e di documentari) è soprattutto di mettere a disagio noi spettatori, di scuoterci dalla pigrizia mentale che induce a ignorare cosa accade nel resto del mondo: ci coinvolge, ci indigna, ci commuove, ci impegna, ci rende partecipi a un dramma che sembra appartenere a un altro secolo e che invece è attuale e presente ancor oggi.
Il regista non si fa scrupolo di realizzare un'opera scomoda e, per certi versi, difficile. Ha dichiarato Del Punta: Il fatto che mi ha sempre più colpito in questa orribile tragedia degli haitiani nella Repubblica Dominicana è che questa situazione di sfruttamento metodico e consapevole viene messa in atto da parte di uno Stato riconosciuto come legale e costituzionale dai paesi Europei e dal mondo occidentale, dove si crede che le regole fondamentali del convivere civile e dello stato di diritto siano rispettate... e invece non è così, perché questo trattamento schiavistico di un popolo da parte di un altro vicino, che ricorda situazioni che dovrebbero ormai appartenere alla Storia, avviene non da ieri, ma da più di un secolo, esattamente dalla fine dell'Ottocento, e oggi prosegue immutato, e anzi ancora più meschino agli occhi di chi ha una coscienza moderna. Nel silenzio dei media e a dispetto delle denunce di Amnesty International.

Un film massimamente sobrio e scarno (qualcuno ha ricordato il "neorealismo") ma di sconvolgente crudezza, che evita facili esotismi preferendo la militanza del cinema civile di denuncia (le riprese si sono allungate per quattro mesi a causa delle estreme difficoltà, delle minacce e provocazioni da parte dei proprietari di terra e dell'esercito domenicano).

Scrive giustamente MyMovies: Del Punta riesce a far emergere una realtà che i governi, europei e non, preferiscono ignorare. La Repubblica Domenicana non è nella lista dei 'paesi canaglia' anche se questa forma di schiavitù vi si esercita da più di un secolo. Le sue spiagge e il suo Oceano sono troppo attrattivi per il turismo internazionale. Ben venga un film che ci ricordi quanto, a volte, i nostri parametri di valutazione siano truccati.

Onore alla Esperia Film di Bruno Restuccia e Giuliana Del Punta che ha prodotto e distribuito il film, film che ha mietuto premi in più di un Festival (60° Festival del Film Locarno, Premio Giuria dei Giovani - Premio "L'ambiente è qualità di vita", 52° International Film Festival di Valladolid, 9° Rio de Janeiro International Film Festival, 31° Cairo film Festival, 22° Festival del Cinema Latino Americano di Trieste, 24° Festival International du Film d'Amour de Mons, 25° Sulmona Filmfestival).

Ottima la scelta di non doppiare il film.

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"L'uomo che ama" di Maria Sole Tognazzi

2008-10-25T22:49:00.000-07:00

L'uomo che ama

Un film di Maria Sole Tognazzi
Con Pierfrancesco Favino, Xenia Rappoport, Monica Bellucci,
Piera Degli Esposti, Marisa Paredes,
Fausto Maria Sciarappa, Michele Alhaique,
Arnaldo Ninchi, Glen Blackhall
Genere Commedia, colore 102 minuti
Produzione Italia 2008 - Distribuzione Medusa
[Uscita nelle sale venerdì 24 ottobre 2008]

Il film che ha avuto l'onere e l'onore di aprire il Festival cinematografico di Roma (il primo dei 27 film italiani presenti all'evento).

Gran parte della critica non è stata tenera.
In effetti "L'uomo che ama" è un'opera minimalista e intimista, elegante e ben girata, molto curata in ogni dettaglio, che vuole illustrare i vari gradi ed effetti del dolore, avendo l'occhio rivolto più al cinema francese che a quello nostrano (molti silenzi, molti sguardi, molte passeggiate…).
Il punto di partenza è il romanzo "Cronache di un disamore" di Ivan Cotroneo (qui alla sua seconda esperienza come co-sceneggiatore, dopo "Piano Solo" di Riccardo Milani) e il tema centrale è l'uomo che soffre per amore (argomento non molto trattato dal cinema che preferisce mostrare la donna che piange e si addolora). Più volte la regista (Nastro d'Argento nel 2003 col suo "Passato prossimo") ha dichiarato il suo interesse per l'analisi della fragilità dell'animo maschile e ha avvertito che il suo lavoro non racconta un triangolo amoroso ma "due storie d'amore vissute in modi e tempi diversi". Tutta l'attenzione è rivolta quindi al protagonista, sempre in primo piano, archetipo dell'universo maschile di cui si esplorano sentimenti, debolezze, pensieri... vittima e carnefice al contempo (ma al primo aspetto si dà più rilevanza).
Ingiusto qualificarlo cinema "vecchio e ripetitivo" (come ha scritto L'Unità): è palese la volontà della regista di fare qualcosa di diverso e di nuovo rispetto al panorama del cinema italiano. Non mancano certamente difetti (inutili storie parallele, presenza di personaggi superflui, qualche riempitivo di troppo, alternarsi non equilibrato di momenti enfatizzati e scene encomiabilmente asciutte e sommesse, ritmo narrativo non esaltante, squilibrio tra il mostrare la sofferenze di essere lasciato e la sofferenza di lasciare...), difetti che contribuiscono a non fare di questo film quello che sulla carta prometteva e a suscitare nello spettatore qualche attimo di noia o di irritazione: si aggiunga che non tutti i comportamenti sono sufficientemente motivati e che qualche notazione psicologica in più non avrebbe guastato..
Complessivamente è comunque un film non disprezzabile, spesso coinvolgente, interessante nella tematica e nella realizzazione.
Apprezzabili la musica delicata (ma invasiva), e la ben fotografata Torino austera e malinconica.
Bravi e impegnati tutti gli attori: menzione particolare al giovane Michele Alhaique (il fratello del protagonista) e a Marisa Paredes (in un piccolo ruolo riesce a dimostrare quale grande attrice sia).

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"Quel che resta di mio marito" di Christopher N. Rowley

2008-10-22T23:34:00.000-07:00

Quel che resta di mio marito

(Bonneville)
Un film di Christopher N. Rowley
Con Jessica Lange, Kathy Bates, Joan Allen,
Tom Skerritt, Christine Baranski
Genere Commedia, colore 93 minuti
Produzione USA 2006
Distribuzione Teodora Film
[Uscita nelle sale venerdì 17 ottobre 2008]

Preferibile il titolo originale, "Bonneville": è la cadillac rossa, centro e punto di riferimento dell'intera storia raccontata (nonché casa protettiva delle tre protagoniste).
Opera prima di Christopher N. Rowley (autore anche del soggetto) realizzata nel 2006 (ha inspiegabilmente atteso due anni per uscire nelle sale), prima pellicola americana distribuita dalla Teodora Film.

Come in "Easy Rider" e "Thelma e Luise" abbiamo il viaggio come scoperta di se stessi, stimolo di crescita, simbolo di liberazione e di emancipazione, ma senza drammi, senza disperazione, senza violenze: come loro però, un inno all'amicizia e soprattutto all'indipendenza e alla autonomia, senza costrizioni né condizionamenti né compromessi. Centrato sul rapporto-scontro tra vita e morte, spirito di avventura e osservanza delle regole, alternando armoniosamente humour e pianto, ironia e introspezione emotiva, incontri presenti e ricordi, "Quel che resta di mio marito" è una vera e propria lezione, leggera e gradevole, su come liberarsi dai lacci del proprio passato e affrontare senza paure e tentennamenti il domani. Un film che "che sembra voler celebrare un ritorno alle libertà morali e naturali degli anni '70 contro la rigidità schematica delle generazioni successive" (Emanuele Rauco).
Un lavoro delicato e onesto. Un lavoro dal tono lievemente malinconico, gentile raffinato coinvolgente... che rifugge da patetismi o facili sentimentalismi, puntando sulla semplicità e sul ritratto veritiero di personaggi reali e non stereotipati (veri e propri archetipi dell'attuale mondo), e che ha l'indubbio merito di offrire allo spettatore più di uno spunto di riflessione. Un lavoro che il pubblico femminile non può non vedere (ritrovandovi gran parte delle proprie problematiche) e la cui visione è consigliabile anche al pubblico maschile per meglio comprendere e apprezzare il pianeta-donna.

Con tanta spazzatura che invade il grande schermo (proveniente in massima parte da oltreoceano) è assurdo che un'opera del genere abbia aspettato due anni per essere visibile nelle nostre platee: onore al merito alla Teodora Film che l'ha comprata e distribuita. Un film che col suo procedere soft è nettamente in controtendenza rispetto a ciò che Hollywood tanto spesso ammannisce, un film che offre due ore non banali di serenità.

Da 10 e lode la fotografia di Jeffrey L. Kimball (anche se qualcuno le ha rimproverato di essere troppo "cartolinesca"): ritrae impagabilmente paesaggi che dire "mozzafiato" è poco.

Punto di forza dell'intera operazione è naturalmente la grande prova delle tre Signore.
Una vera e propria gara di bravura tra Jessica Lange Kathy Bates Joan Allen, una vera e propria lezione di recitazione: intense e partecipi, mai sopra le righe, sobrie e misurate al massimo, offrono una performance che sarà difficile dimenticare. L'impressione è che non recitino ma che "vivano" i rispettivi personaggi, personaggi che ci diventano subito familiari e che non si vorrebbe abbandonare mai.

Un plauso a Rowley e allo sceneggiatore (anche lui esordiente) Daniel D. Davis che "non si spaventano a mettere in scena tre donne di mezza età, personaggi fuorilegge secondo tutte le regole commerciali in America" (Panorama).
Un film che dimostra, come meglio non si potrebbe (ed è lo stesso discorso di "Mamma mia!"), che "bellezza e vitalità non necessitano di gioventù e misure da concorso" (Loudvision).

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"Lezione Ventuno" di Alessandro Baricco

2008-10-18T06:44:00.000-07:00

Lezione Ventuno

Un film di Alessandro Baricco
Con Noah Taylor, Clive Russell,
Leonor Watling, John Hurt,
Genere Drammatico, colore 92 minuti
Produzione Italia 2008 - Distribuzione 01 Distribution
[Uscita nelle sale venerdì 17 ottobre 2008]

Stroncato da alcuni, esaltato da altri, Alessandro Baricco è al suo terzo contatto con il mondo cinematografico (dopo la trascrizione in film di due suoi romanzi: La leggenda del pianista sull'Oceano, 1998, di Giuseppe Tornatore; Seta, 2007, di Frangois Girard).

La critica si è nettamente divisa: si va da "Lezione ventuno è il regno della noia e della confusione" (Cinema.it) a "è un'opera dannatamente intensa e poetica" (FilmUp).

La prima cosa da sottolineare è la sorprendente bravura, in un debuttante, come regista. Baricco mostra una padronanza del mezzo cinematografico che non è di tutti: uso della macchina, ambientazione, costumi, qualità della fotografia, montaggio, colonna sonora, conduzione degli attori… tutto è da lodare senza riserve (ed è evidente il suo essersi circondato di ottimi professionisti). Perplessità sulla sceneggiatura e sull'idea di fondo sposata (smontare i monumenti ufficiali della cultura).

Un insieme di scene (molte bellissime, di straordinaria qualità pittorica) non sempre dal chiaro significato, quattro storie (la creazione della Nona Sinfonia da parte di un Beethoven ormai sordo e privo del favore del pubblico, il ritrovamento del corpo di un violinista morto assiderato con il suo violino, la lezione del professor Mondrian Kilroy tesa a smontare il mito dell'ultima grande opera beethoveniana, l'incontro -in mezzo ai barboni- tra il professore e una sua allieva) affastellate in un unicum che risulta a volte ostico e di non facile interpretazione e che rischiano di disorientare lo spettatore e di confonderlo.
Il tutto gira intorno alla tesi (discutibile?) che nella Nona vi sia sì del genio ma sterile, mancando questa di bellezza (la sola in grado di illuminare l'arte e l'esistenza).

Un film che mostra evidenti le influenze di Ken Russell, Peter Greenaway, Kenneth Branagh, Ingmar Bergman, Carmelo Bene, Terry Gilliam... e perfino Mario Bava.
Alogico e multiforme, raffinato e colto, ironico e surreale, fiabesco e intelligente, in perenne bilico tra sogno e realtà, leggenda e storia... "Lezione 21" è una disquisizione non solo sulla musica (e sull'erronea divisione tra cultura alta e cultura popolare) ma sulla vita (e la vecchiaia in particolare) che affascina e coinvolge.
Opera corale, anomala e di difficile descrizione con la sua acrobatica struttura, "animale strambo" (definizione dello stesso regista), colma di metafore e simbolismi, il film forse non piacerà a parte del pubblico (come non è piaciuta a parte della stampa in occasione della presentazione al Festival di Locarno) ma che merita di essere vista per l'originalità (mai gratuita) di mescolare cinema musica teatro e letteratura in un tutto di grande immaginazione e fantasia.

Un film che accontenta la vista e l'udito (afferma Gian Luigi Rondi: "una gioia per gli occhi. Mentre l'udito, anche là dove lo sente discusso, si abbandona al fascino imperituro della Nona. Confermato, nonostante le apparenze, proprio da quella lezione")

Da apprezzare per il nostro cinema l'intento di realizzare un'opera non rivolta a un pubblico italiano in particolare ma che, col suo cast internazionale e il suo essere stato girato interamente in inglese, guarda al mercato europeo (l'edizione in lingua originale è giudicata migliore da tutti i critici: a Locarno, Giovanna Parreca scriveva: "Ci auguriamo che Procacci si dimostri produttore davvero coraggioso tanto da mandare in distribuzione centinaia di copie sottotitolate come quella vista qui anche per il pubblico italiano, che non scenda al compromesso del doppiaggio perché anche i nostri connazionali possano vivere appieno le recitazioni ed esser guidati da una voce narrante davvero coinvolgente").
p.s.
Interessante l'interpretazione che si dà all'Inno alla Gioia.

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"The Women" di Diane English

2008-10-16T19:11:00.000-07:00

The Women

Un film di Diane English
Con Meg Ryan, Annette Bening,
Eva Mendes, Debra Messing,
Jada Pinkett Smith, Carrie Fisher,
Cloris Leachman, Debi Mazar,
Bette Midler, Candice Bergen
Genere Commedia, colore 114 minuti
Produzione USA 2008 - Distribuzione Bim
[Uscita nelle sale venerdì 10 ottobre 2008]

Ispirato alla commedia di Clare Booth Luce, remake dell'omonimo celebre film del '39 del regista delle donne George Cukor (nel 1956 rifatto, col titolo "Sesso debole", da David Miller con una deliziosa June Allyson, una perfida Joan Collins e comprimarie di lusso come Ann Sheridan, Ann Miller, Dolores Gray), l'odierno film della regista televisiva Diane English (prodotto da Mick Jagger) ha giustamente avuto scarsa fortuna al box-office statunitense.

Falso e artefatto, eccessivamente e fastidiosamente patinato, con l'intento di rinnovare i fasti della parodistica ed elegante, corrosiva e spregiudicata sophisticated commedy che ha contribuito non poco a fare la fortuna di Hollywood (un prodotto intelligentemente confezionato sia nella messa in scena che nella storia raccontata, dai dialoghi scoppiettanti e dal notevole ritmo comico che "con leggerezza, raffinatezza e esilaranti giochi di parole affrontava i temi proibiti della società americana", Fabrizia Centola). Ma erano necessari Cukor, Capra, Lubitsch, Wilder, Minnelli, Edwards… Non tutti sono all'altezza.

Di fronte a un Cukor graffiante e anticonformista, abbiamo un lavoro piatto e scialbo, senza brio e verve in cui protagonista effettivo sembra l'uomo (anche se è bandito nelle case, negli uffici, nei grandi magazzini e nelle strade) perennemente nelle menti delle protagoniste (e non solo). Certo le donne qui si affermano con le proprie forze ma nel campo (per alcuni frivolo e inconsistente) della moda… non diventano chirurghi o direttori di banche (sarà forse per questo che in sala ride soprattutto certo pubblico maschile che vede confermata la propria idea che le donne in fondo siano solo delle adorabili ochette, tutto sommato inoffensive e sostanzialmente da proteggere).

Una trama plausibile negli anni Trenta, improponibile oggi senza gli opportuni aggiustamenti (non è sufficiente parlare superficialmente di gay, editoria, moda, beauty-farm, chirurgia estetica… per attualizzare il tutto).
Il lavoro del 1939 era un sardonico ritratto, una caustica (e a volte feroce) satira di certo universo femminile incapace di provare vero amore e vera amicizia. Qui abbiamo delle borghesi altolocate che non fanno altro che starnazzare tutte insieme, senza un problema al mondo, senza una riflessione o un pensiero che non sia il look o lo shopping o il gossip, continuamente indaffarate in mille cose superflue e inconsistenti (e che credono nell'integrità della famiglia e nella salvaguardia del matrimonio), "donne fondamentalmente del passato, mentre nel film di Cukor erano donne che anticipavano l'emancipazione del dopoguerra" (Paolo Marocco).

Dialoghi stanchi e scontati con qualche battuta di cattivo gusto di cui si poteva fare a meno. Recitazione sopra le righe di uno stuolo di attrici (capitanate dalla cinquantenne Meg Ryan, dal volto rifatto, insopportabilmente incapace di abbandonate il ruolo di "monella sbarazzina") che soccombono inevitabilmente di fronte a Norma Shearer, Rosalind Russell, Joan Crawford, Paulette Goddard, Joan Fontaine.

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I Classici: "Non voglio morire"

2008-10-13T10:20:00.000-07:00

(I Want to Live!)
Un film di Robert Wise
Con Susan Hayward,
Simon Oakland, Virginia Vincent
Genere Drammatico, b/n 120 minuti
Produzione USA 1958

Uno dei migliori (e più famosi) film dell'eclettico Robert Wise (l'inizio del suo curriculum vanta il montaggio dei due capolavori di Orson Welles, 'Quarto potere' e 'L'orgoglio degli Amberson'): "...questo era Robert Wise: un regista di grande mestiere, capace di passare con naturalezza da un genere all'altro, bellico, fantascienza, storico, romantico, e soprattutto di maneggiare quell'oggetto delicato che era diventato allora il musical… Ma Robert Wise (non a caso molto apprezzato da Martin Scorsese e John Landis) era di più di un regista per tutte le stagioni, dalla tecnica impeccabile" (Emanuela Martini).

'Non voglio morire', alla sua uscita, ebbe giustamente non solo un enorme successo di pubblico ma un diluvio di critiche entusiaste, entusiasmo che perdura:
"Una parabola ancor attuale, ottimamente sceneggiata... , diretta in maniera ineccepibile da Wise, che prese spunto da un fatto realmente accaduto, di cui mai però si poté sapere la verità... Straordinaria e intensa l'interpretazione della Hayward... Memorabili le musiche jazz di John Mandell" (CiakHollywood).
"Susan Hayward, una stella scomparsa prematuramente, bellissima, piena di talento. Cose d'altri tempi, quei favolosi anni in cui Hollywood non sfornava film cibernetici, ma ancora si guardava alla realtà per attingerne a piene mani" (Paolo Ciarpaglini).
"Con inquadrature insolite e un montaggio stringato il regista ha creato un clima di suspense; all'effetto complessivo contribuisce la forte interpretazione della protagonista e l'efficace commento musicale" (Cinematografo.it).
"Il cinema americano può vantare tutta una nobile tradizione di opere coraggiosamente impegnate a denunciare, con polemica asprezza, le debolezze e le storture dei sistemi carcerari e dell'amministrazione della giustizia. In tale filone si inserisce degnamente Non voglio morire, qualcosa di più di un efficace ma generico atto d'accusa: la puntuale ricostruzione di una tragica storia vera…" (Cinema Nuovo).
"Wise ha diretto con la forza scarna e severa delle sue opere migliori, facendo parlare i fatti senza forzarli negli schemi di una tesi precostituita" (ilMorandini).

Il film non è solo una sentita e sincera denuncia della atrocità assurda e barbara della pena di morte. E' anche un formidabile ritratto umano, sorprendentemente moderno e reso magistralmente da Susan Hayward, una delle migliori star della Hollywood degli anni d'oro (tra l'altro ebbe l'Oscar, il Golden Globe, il David di Donatello).

Un film secco asciutto disadorno stringato, senza enfasi e retorica, dal rigore quasi documentario, caratterizzato da una assoluta mancanza di tentazioni spettacolarizzanti.

Un film più che valido ancora oggi, da vedere o rivedere.

(Nel 1983, la Tv americana ne ha fatto un remake).

tuttiiclassici
il remake

"La classe" di Laurent Cantet

2008-10-11T19:29:00.000-07:00

(Entre les murs)

Con François Bégaudeau, Nassim Amrabt,
Laura Baquela, Cherif Bounaïdja Rachedi,
Juliette Demaille, Dalla Doucouré
Genere Drammatico, colore 128 minuti
Produzione Francia 2008 - Distribuzione Mikado
[Uscita nelle sale venerdì 10 ottobre 2008]

Più di due ore di estrema tensione, attenzione da parte dello spettatore massimamente calamitata, assoluta mancanza di noia o di ripetitività… caratterizzano questo piccolo gioiello di Laurent Cantet, distintosi in passato con "Risorse umane" "A tempo pieno" e "Verso il Sud" e giustamente premiato al 61° Festival di Cannes (da più di vent'anni la Palma non andava a un film francese).

Lo stile è sempre quello per cui il regista è noto. Asciutto ed essenziale (ma meno asettico e freddo del solito), sobrio, privo di enfasi e retorica ma non avaro di sentimenti: questa volta Cantet non dimentica che il cinema è "anche" emozione.

Tratto dal diario del professor François Bégaudeau, qui co-sceneggiatore e perfetto interprete, "La classe" (che in Francia ha suscitato aspre polemiche ma è già campione d'incassi) è, come ha dichiarato Cantet, "un piccolo contenitore, un microcosmo, in cui analizzare accuratamente i problemi della nostra società". In effetti è un film che coinvolge dalla prima all'ultima immagine, offrendo -senza alcuna ideologia precostituita- un quadro angosciante e angoscioso di una società giunta al limite, una società che si dirige alla deriva e in cui la speranza sembra essere completamente assente (ma forse non tutto è perduto… grazie a Platone).
Un film che tocca argomenti di strettissima attualità (il peso del crescere, il rapporto generazionale, il difficile inserimento in realtà diverse, l'autoritarismo e la democrazia, lo sconforto degli adulti, la ribellione dei giovani, l'importanza del rispetto reciproco, la problematica multietnica, il contrasto tra conservatorismo e progressismo, l'indispensabilità del dialogo nonostante tutto, le difficoltà di armonizzare situazioni sociali e culturali differenti…) e tutti in modo sorprendentemente non superficiale.
Un film che porta il pubblico a interrogarsi sulla realtà che ci circonda, a riflettere sulla propria esistenza e sui propri comportamenti, a mettere in discussione se stessi e i rapporti con gli altri.
Un film corale dove tutti gli innumerevoli personaggi hanno una loro ben individuata personalità, una specifica individualità, una approfondita caratterialità... ben rappresentata dai superlativi interpreti che andrebbero tutti citati e premiati ("il metodo con cui Cantet fa recitare gli attori è fortemente improntato sul teatro, sull'improvvisazione, su un rigoroso gioco delle parti", Crakweb.it).

Un film che andrebbe proiettato in tutte le scuole, per discutere e analizzare cosa oggi sia la nostra vita, "un film di grande importanza, per gli interrogativi profondamente morali che solleva, per la descrizione che fa di un mondo sempre più difficile da comprendere" (Federico Gironi).

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"Sfida senza regole" di Jon Avnet

2008-10-09T19:09:00.000-07:00

(Righteous Kill)

Con Al Pacino, Robert De Niro,
50 Cent, Carla Gugino, John Leguizamo
Genere Azione, colore 100 minuti
Produzione USA 2008 - Distribuzione 01 Distribution
[Uscita nelle sale venerdì 26 settembre 2008]

Non si comprende bene l'accanimento della maggioranza dei critici nello stroncare il film di Jon Avnet (famoso per "Pomodori verdi fritti…"): "era da tanto che in un film di serie A non spirava un'aria così stracca e di routine" (Il Messaggero); "non bastano De Niro e Pacino" (Corriere della Sera); "investigazione piatta e personaggi ovvi" (La Stampa): "verboso polpettone" (Il Giornale); "thriller di media fattura" (Libero); "sciatto e scritto male" (L'Espresso); "stancamente, di scena già vista in scena già vista, si arriva alla conclusione" (Il Foglio) …

"Sfida senza regole" è invece un buon film, non eccezionale certo, ma coinvolgente ed interessante. La trama e l'ambientazione non brillano per originalità, ma come è possibile dire qualcosa di veramente nuovo di fronte all'overdose di telefilm ruotanti intorno ai vari Dipartimenti di polizia che il piccolo schermo sforna quotidianamente? Di positivo qui c'è che la regia non punta sui soliti effetti speciali, sulle trite e ritrite scene carambolesche, sull'inverosimile azione a tutti i costi, sul super-eroe che combatte l'odioso cattivo di turno: l'attenzione è rivolta ai personaggi, alle loro psicologie, alle loro motivazioni, al loro chiedersi quale sia il senso della giustizia. E naturalmente tutto ruota intorno alla presenza magnetica di due giganti come De Niro e Pacino, leggende viventi che da soli esprimono buona parte della storia del cinema. Si è rimproverato loro di non impegnarsi eccessivamente, sbagliando a mio parere. I due ormai non hanno bisogno di dimostrare nulla: sono talmente grandi che basta essere loro stessi (e qui con una apprezzabile lieve ironia verso i rispettivi ruoli, due veterani pluridecorati a un passo dalla pensione) per riempire lo schermo, catturare l'attenzione di qualsiasi pubblico, rendere meritevole di essere visto qualsiasi lavoro in cui compaiano (il finale amaro e crepuscolare, centrato sul confronto diretto tra gli sguardi dei due, è difficilmente dimenticabile).

Un poliziesco cupo e pessimista che sfuma i confini tra la verità e la menzogna, che ha il merito (contrariamente alle certezze della mentalità americana) di vedere la realtà in grigio piuttosto che tagliata con l'accetta in bianco e in nero (e che porta molti spettatori a interrogarsi sui lati oscuri della nostra personalità e cosa -per noi- sia bene e cosa sia male).

Buono il cast di contorno ma le presenze femminili (l'avvocatessa drogata, la poliziotta con istinti masochistici) del tutto convenzionali inutili e superflue.
Negativo il sospetto che la sceneggiatura tenda a strizzare l'occhio al "farsi giustizia da sé" oggi pericolosamente tanto di moda.

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"Miracolo a Sant'Anna" di Spike Lee

2008-10-07T19:37:00.000-07:00

(Miracle at St. Anna)

Con Derek Luke, Michael Ealy,Laz Alonso, Omar Benson Miller,
Matteo Sciabordi, John Leguizamo,Joseph Gordon-Levitt, Valentina Cervi,
Pierfrancesco Favino, John Turturro,Chiara Francini, Omero Antonutti
Genere Drammatico, colore -Produzione USA 2008 -Distribuzione 01 Distribution[Uscita nelle sale venerdì 3 ottobre 2008]

"The New York Times" lo ha apprezzato, "Variety" (come quasi tutta la stampa italiana) lo ha stroncato.

Spike Lee, a cui si devono capolavori come "La 25ma ora" e "Inside man" nel suo film forse più ambizioso e complesso questa volta fallisce.
Un'opera (tratta dall'omonimo romanzo di James McBride, qui anche sceneggiatore) che si caratterizza per "il troppo": troppo lungo, troppa musica, troppi personaggi, troppe parentesi, troppa carne al fuoco… Lo spettatore è assalito da una overdose di immagini, di vicende, di temi, di spunti che, presi individualmente, possono anche emozionare e coinvolgere ma che nell'insieme appaiono farraginosi, pesanti, non equilibrati, dilatati a dismisura e, non di rado, stancanti (anche se il montaggio rasenta il virtuosismo).
"Un affresco storico -scrive Valentina D'Amico- che parte come un thriller, devia verso il film di denuncia, apre una lunga parentesi da favola buonista che svela come anche in guerra possano esistere atti di grande umanità, supportati da un pizzico di magia, per poi tornare a svoltare bruscamente in direzione della bruta violenza bellica e concludersi con un coup de théatre che strizza l'occhio allo spettatore".
"Miracolo a Sant'Anna" manca di unitarietà: il razzismo, la guerra, la resistenza, la fede, le problematiche teologiche… sembrano vicende a se stanti, non si amalgamano (anzi l'una sembra disturbare l'altra). Più volte si ha l'impressione di vedere film diversi arbitrariamente unificati, ognuno di per sé interessante ma senza alcun rapporto tra loro.
Questo è il sostanziale difetto della pellicola. Ridicola invece l'accusa, rivoltale in Italia, di falsificare la storia e di infamare la Resistenza: cosa c'è di assurdo nel mostrare che buono e cattivo fossero sia tra i tedeschi che nei partigiani? Ancora si pretende che il bene sia solo in una parte e che il male stia tutto nell'altra? Giustamente Lee, in più interviste, ha sottolineato che il suo lavoro è "un'opera di finzione basata su fatti reali": l'importante era porre l'accento su quanto la guerra (qualsiasi guerra) sia terribile e barbara, fonte di povertà sporcizia dolore errori brutalità, mai eroica o esaltante.

Il film soffre anche di discontinuità tra le parti americane e quelle italiane: le prime sono ottime e convincenti, le seconde appaiono poco verosimili (personaggi rigidi e schematici, scene che sanno di bozzetto teatrale e rasentano il folcloristico …).
Encomiabili gli attori statunitensi, i nostri non sempre appaiono ben diretti (primeggia comunque un grande Omero Antonutti).

Sbagliata la decisione di doppiare l'intero lavoro: si assiste così a numerose scene i cui i personaggi non riescono a comunicare tra loro pur parlando tutti in perfetto italiano!

Da sottolineare che, come leggiamo su Movieplayer, "Miracolo a Sant'Anna" ha il pregio di "far riflettere a lungo gli spettatori che decideranno di andare a vedere il film. Nel bene e nel male un regista come Spike Lee riesce a non essere mai banale. Che sia questo il suo vero intento?".

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"Mamma Mia!" di Phyllide Lloyd

2008-10-04T22:57:00.001-07:00

Mamma Mia!

Un film di Phyllida Lloyd
Con Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgård,
Julie Walters, Dominic Cooper, Amanda Seyfried, Christine Baranski
Genere Musical, colore 108 minuti
Produzione USA, Gran Bretagna, Germania 2008 -Distribuzione Universal Pictures
[Uscita nelle sale venerdì 3 ottobre 2008]

Prodotto da Tom Hanks, campione d'incassi in USA, incoronato al National Movie Awards come miglior musical e per la migliore interpretazione femminile, giunge finalmente in Italia la versione cinematografica dello spettacolo che spopola da decenni nei teatri di tutto il mondo.

Diretto da Phyllide Lloyd (regista dell'allestimento originale a Broadway), il film è una fiaba musicale (con scenario pittoresco che più non si può) ironica, fresca, elettrizzante: regala due ore di spensieratezza e di allegria, senza mai un attimo di stanchezza. Grande ritmo, battute spesso divertenti e non banali, canzoni ("abilmente cucite insieme", Il Messaggero) orecchiabili cantabili accattivanti e dall'arrangiamento sorprendentemente moderno.
Un inno alla vita e alla gioia con il palese messaggio che la possibilità di essere felici prima o poi viene offerta a tutti: ma il film abilmente e sottilmente introduce temi non usuali nel musical e che fanno onore alla sceneggiatura di Catherine Johnson (l'adulto costretto a fare i conti con la sua vita, la gioventù in cerca di identità…) e prende posizioni non convenzionali (la donna ha il diritto di gestire il sesso come le pare, l'omosessualità non è uno scandalo, giuste per i giovani le esperienze prematrimoniali…).
Naturalmente domina il tutto la grande Meryl, divertente e divertita quanto mai, encomiabile nella sua capacità di rinnovarsi e di giocare con entusiasmo e ammirevole vitalità. Anche i critici che non si sono mostrati molto teneri con il film hanno applaudito la sua eccezionale performance: scrive Il Giornale "Un gioco di nostalgie, ripicche sentimentali, disvelamenti ed equivoci sopra i quali troneggia una sorprendente Meryl Streep abilissima cantante, che è il vero asso della manica del film", Il Messaggero "Strepitosa la performance di Meryl Streep… che riesce a comunicare un'energia, un buonumore, una felicità (artistica innanzitutto) semplicemente irresistibili", Cinematografo.it "Una Meryl Streep pronta per le Olimpiadi" , La Stampa "Il coraggio di cantare, ballare, saltare, ma soprattutto di indossare, per quasi tutto il film, un'informe tuta di jeans su scarpe da ginnastica raso terra… Meryl Streep, 59 anni e madre di quattro figli, vince la sua ultima sfida d'attrice", Quotidiano Nazionale "Strepitosa e scatenatissima Meryl…", Rolling Stone "Meryl Streep can do anything", Il Corriere della Sera "Ma la carta vincente è Meryl Streep… Considerata a ragione la grande tragica di Hollywood… domina dall'alto del suo carisma", Ciak "L'eccezionalità è in Meryl Streep che si anima come una ragazzina prodigio", La Repubblica "Meryl Streep domina la scena come una regina incontrastata e i tre partner maschili… sembrano adattarsi docilmente e volentieri a un compito un po' ornamentale" .
Da sottolineare che nella bellissima e struggente "The Winner Takes It All", una Mina o una Barbra Streisand non avrebbero potuto fare di meglio.

Bravissime Julie Walters e Christine Baranski, autoironiche e godibili al massimo. Deliziosa (e mai leziosa) Amanda Seyfried.

Spiritosa e sorprendente la sequenza dei titoli di coda, "con un'ironica esibizione on stage dell'intero cast in preda a un delirio puro anni Settanta, con acconciature e costumi meravigliosamente kitsch" (Movieplayer).

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musical

Ciao, Paul

2008-09-28T09:42:00.000-07:00

"Le immagini di Paul Newman - morto nella notte di venerdì nella sua casa in Connecticut a 83 anni, dopo una battaglia contro il cancro - campeggiano sulle prime pagine dei giornali di tutto il mondo...
Sottolineando la grande fama internazionale di Newman, l'Independent gli dedica un'enorme foto che occupa l'intera prima pagina, relegando all'interno le notizie sui timori per il sistema creditizio del Paese.
Paul Newman: è morto il re del cool recita il titolo del Sunday Times sopra il ritratto dell'attore, noto anche per la sua filantropia.
In Germania, come altrove, la tv ha mostrato spezzoni dei suoi film. Paul Newman - l'ultimo eroe è morto, titola il Bild am Sonntag.
Molti degli articoli ricordano una sua famosa battuta. "Mi immagino il mio epitaffio -- aveva detto una volta -- Qui giace Paul Newman, morto per un infarto perché i suoi occhi erano diventati marroni".
Il New York Times lo definisce il magnetico titano di Hollywood.
L'Observer titola a doppia pagina: Un attore di vero genio un uomo di grande animo, focalizzando l'attenzione oltre che sulla sua filantropia sulla devozione per la sua famiglia.
In Francia, politici in fila per regalargli l'ultimo plauso, con il presidente Nicolas Sarkozy che lo definisce una leggenda di Hollywood.
Persino in Iran, che in genere non si cura di notizie sulle star occidentali, i giornali hanno riportato la sua scomparsa"
(dall'Agenzia Reuters).

E in Italia?
Il Secolo XIX scrive Addio a Paul Newman, bello d'America… in più di 60 film, questo americano dalla faccia pulita, autoironico ma capace di battaglie esemplari in nome di una libertà indissolubile dall'etica, è stato una leggenda. Se Marlon Brando rappresentava il ribelle, espulso dalla società per la sua carica eversiva, Newman era qualcosa di infinitamente più pericoloso e seducente insieme: il vero figlio di un Paese che tollerava a malapena le contestazioni, ma riconosceva in un febbricitante candore le radici della propria forza. Ed è stato questo vagare dei suoi personaggi fra spinte autodistruttive e sete di rivincita a farne un americano credibile.
Il Messaggero: In un mondo di belli e dannati, come Hollywood a metà anni 50, a Paul Newman toccò una maledizione quasi peggiore. Una bellezza olimpica, accesa dai celebri occhi azzurri. Un fisico perfetto ma proprio per questo refrattario a caratterizzazioni sicure (come fecero invece la possenza di Brando, la malinconia di Montgomery Clift, il broncio di James Dean). Una gioventù esplosiva, quasi insolente, alimentata da una contagiosa simpatia, anche quando affrontava personaggi ambigui o canaglie dichiarate.
Per tutte queste ragioni la partenza non fu bruciante. Stretto fra il mito nascente di Brando e la meteora James Dean, dei quali fu considerato a lungo una specie di rimpiazzo, il giovane Paul Newman si impone subito a Broadway ma decolla davvero solo al terzo film, 'Lassù qualcuno mi ama' di Robert Wise.
Il Corriere della Sera: Immaginiamo di essere davanti a uno storico del cinema del 2050, come risponderebbe alla domanda: «Chi butteresti dalla torre, Brando o Newman?».
Di prim'acchito la risposta sembrerebbe ovvia perché l'interprete di 'Un tram che si chiama Desiderio' è considerato un macigno, uno spartiacque nella storia dello spettacolo che molti addirittura dividono in «prima di Marlon e dopo Marlon». E va aggiunto che Newman al suo apparire fu considerato il primo epigone di Brando, quasi un imitatore, il divulgatore del Metodo di cui l'altro era stato il profeta. Ma la vita è lunga e i conti si fanno alla fine. Il bilancio di Brando è stato quello di un interprete che appena baciato dal successo ha rifiutato per sempre il teatro, da vero apostata della sua arte; e molto presto, salvo alcuni miracolosi recuperi, si è accontentato di restare una merce pregiatissima sul mercato del consumismo…
Al contrario Newman ha sempre battuto la strada della qualità, accettando scelte rischiose, affinandosi, migliorando. Non ha mai abbandonato il palcoscenico, anche praticandolo da attore e regista in situazioni emarginate e quasi amatoriali…
Ma il suo personaggio, pur ricco di attrattive varie dal corridore d'automobili all'instancabile benefattore, è raramente pervenuto a fare notizia, mentre Brando in semiritiro e in soprappeso è sempre finito in prima pagina. Insomma è proprio la storia che dovrebbe, da questo momento in poi, riequilibrare la partita e (senza togliere niente alla gloria di Marlon) dare finalmente a Newman ciò che è di Newman.
La Repubblica: Scompare uno degli ultimi appartenenti all'olimpo di Hollywoood. Non solo attore ma anche regista, uomo impegnato socialmente, nonché sogno proibito di milioni di donne in tutto il mondo. In parte grazie ai suoi indimenticabili occhi blu, vero e proprio 'marchio di fabbrica' al quale probabilmente Newman avrebbe anche rinunciato: "Mi piacerebbe che la gente pensasse che in me c'è uno spirito che compie azioni, un cuore e un talento che non arriva dai miei occhi blu".
Romacittà: "Mi mancherà Paul Newman, mancherà a ognuno di noi, non c'era nessuno come lui. Ha avuto una vita di cui andare orgogliosi, per la sua famiglia, il suo impegno benefico. Per tutta la vita ha dato milioni milioni e milioni di dollari a tante comunità. E poi c'è la sua carriera, che è indelebile". Così Meryl Streep, a Roma per la promozione del film "Mamma mia!", commenta la scomparsa dell'attore. Newman, aggiunge la Streep "mandava amore a ognuno di noi e ognuno di noi ora gli manda il suo amore... e un bacio".

tuttiglieventi

"Parigi" di Cédric Klapisch

2008-09-27T19:49:00.001-07:00

(Paris)

Un film di Cédric Klapisch
Con Juliette Binoche, Romain Duris, François Cluzet,
Fabrice Luchini, Karin Viard
Genere Commedia, colore 130 minuti
Produzione Francia 2008 - Distribuzione Bim
[Uscita nelle sale venerdì 19 settembre 2008]

Benché alcuni critici abbiano dato un giudizio piuttosto negativo, "Paris" è una delle migliori commedie corali apparse negli ultimi anni, un girotondo di storie e di figure dall'accattivante umanità "ognuna colta in un breve momento della sua vita ma capace di farne emergere il carattere, di fissarne per un attimo una debolezza o una inaspettata risorsa" (Corriere della Sera) e che illustrano al meglio le varie caratteristiche della capitale francese ("splendidamente fotografata da Christophe Beaucarne, senza enfasi ma non senza amore", Marianna Cappi),
Assoluta mancanza di retorica, niente "cartoline" né folclore in questo perfetto miscuglio di momenti drammatici e situazioni ironiche (sempre equilibrati, mai in eccesso sia nell'uno che nell'altro campo).
Un film complesso e semplice al contempo, malinconico e divertente, scorrevole, sempre piacevole e interessante.
Un campionario di umanità, ogni personaggio un microcosmo con la sua psicologia il suo mondo la sua diversità, "persone reali nella loro quotidianità" (Anastasia Mazzia) che in fondo si possono incontrare in qualsiasi città e in cui è impossibile non riconoscersi e immedesimarsi. E il tutto ritratto in modo sincero-veritiero-affettuoso da un Cédric Klapisch in gran forma, regista di culto dopo lo straordinario successo del suo "L'appartamento spagnolo" (2002), specializzatosi ormai nel dirigere con maestria "commedie leggere che raccontano l'amore per la vita, tra frustrazioni e speranze collettive" (MyMovies) e che questa volta pone l'accento forse più sul lato cupo che lieve della vita.

Un film che risulterebbe perfetto se non fosse per le perplessità destate nello spettatore dall'irrisolto personaggio dell'ammalato Pierre che, nelle intenzioni del regista, nell'immaginare la propria morte all'improvviso dà un nuovo significato alla sua vita, alla vita degli altri, e alla vita dell'intera città: a lui "spetterebbe il compito di far sbocciare lo sguardo metaforico e malinconico su Parigi, ma così non avviene, poiché si opprime troppo la sua figura lasciandola quasi a vegetare in attesa della morte. Pierre rappresenta troppo scopertamente "il discorso del film" e, allo stesso tempo, si dimostra assolutamente "inutile" al film stesso" (Alessandro Aniballi).

Da applauso l'intero cast, non accade spesso vedere uno stuolo di attori uno più bravo dell'altro e che sarà difficile dimenticare: si distinguono il "professore" Fabrice Luchini e naturalmente Juliette Binoche (brava tenera luminosa come non mai… è possibile non innamorarsi di lei?).

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"Burn After Reading" di Joel ed Ethan Coen

2008-09-24T20:17:00.000-07:00

Un film di Ethan Coen, Joel Coen
Con Brad Pitt, George Clooney,
Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton,
Richard Jenkins, J. K. Simmons, David Rasche, Olek Krupa
Genere Commedia, colore 96 minuti
Produzione USA 2008 - Distribuzione Medusa
[Uscita nelle sale venerdì 19 settembre 2008]

Joel ed Ethan Coen (53 anni il primo, 50 il secondo) la scorsa stagione hanno mietuto allori con l'ottimo "Non è un paese per vecchi": premiato ai Golden Globe, ai Directors & Actors Guild Awards, agli Oscar, ai David di Donatello…
Quest'anno hanno avuto l'onere e l'onore di inaugurare il Festival di Venezia con un film che ponendo l'accento sulla stupidità e sull'avidità umana (e sulla inaspettata violenza osservata sempre con gelido distacco) richiama quel bellissimo ritratto al vetriolo della società americana che fu (nel 1996) "Fargo".

"Burn after reading" (Bruciare dopo aver letto) non è stato giudicato uniformemente dalla stampa ( "una riuscitissima commedia" per il Sole 24 ore, "un flop… situazioni ridicole vanificano la critica alla deriva morale americana", per L'Avvenire; "inquietante ed estremamente divertente" per The Independent, "è un film che si vede con piacere ma si dimentica in fretta" per El Pais).

Una commedia nera, come è nella miglior tradizione dei due fratelli, che ironizza su Washington, sugli intrighi politici, sulle spie… ma anche sul mondo del fitness e soprattutto sulle paranoie di tanti di noi.
Grottesco e surreale quanto mai, il film risulterà interessante e gradevole per gli ammiratori del particolare umorismo dei Coen, ma probabilmente non piacerà a tutti: inizia ottimamente, si alza di tono nell'ultima mezz'ora, ma la parte centrale risulta un po' ripetitiva e sembra girare a vuoto (rasentando attimi di noia). Si ha l'impressione che la verve ogni tanto venga a mancare col risultato che la satira risulta meno spumeggiante-caustica-graffiante-tagliente- incisiva-dissacrante di quanto ci si aspetterebbe ("a tratti un po' fiacco… senza troppa originalità" scrive Simone Arcagni).

Ma "Burn after reading" non intende essere semplicemente una commedia parodistica. Dietro l'apparenza offre un quadro massimamente deprimente e senza speranza dell'attuale mondo ("L´America dei fratelli Coen è sempre spaventosa, irrecuperabile, crudele", Natalia Aspesi).
Specchio dei nostri tempi, metafora di "un sogno americano sempre più evanescente e simile ad un incubo" (Diego Carmignani), un'amara riflessione sull'inarrestabile e inevitabile degenerazione dei rapporti umani:
"Tutti vorrebbero inventarsi una nuova vita, tutti tradiscono tutti. Tutti vanno a letto con tutti. Il grottesco è dietro l'angolo ma andando oltre la patina comico/ironica del film si può rintracciare una visione tragica della società contemporanea. Una visione amara e triste di un mondo irriconoscibile privo di sentimenti e di veri legami affettivi" (Maurizio G. De Bonis).

Al di là del risultato complessivo, ciò che è impagabile in questo lavoro è la mirabile costruzione dei personaggi, "ognuno imprigionato in una personale ossessione, tic o nevrosi" (Spaziofilm.it) e la bravura eccezionale di chi li interpreta (una vera e propria gara di talenti al meglio delle loro capacità).

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"Il matrimonio di Lorna" di Jean-Pierre e Luc Dardenne

2008-09-21T23:05:00.000-07:00

(Le silence de Lorna)

di Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Con Jérémie Renier, Arta Dobroshi,
Fabrizio Rongione, Olivier Gourmet
Genere Drammatico, colore 105 minuti - Gran Bretagna, Francia 2008 - Lucky Red
[Uscita nelle sale venerdì 19 settembre 2008]

Critiche discordanti per l'ultimo film di Jean-Pierre e Luc Dardenne:
Hollywood Reporter "non è a livello dei film precedenti"
El Pais "squallore e noia: il solito film dei fratelli Dardenne"
L'Unità "pur con pregi sono irritanti la trama e il finale"
Il Foglio "lo spettatore già sbadiglia prima che la storia cominci, cupa e triste"
La Repubblica "un film d'alto profilo"
Il Corriere della Sera "rigore e passione"
Cinemadelsilenzio "la storia è dura, potente e asciutta"
Ciak "il livello è sempre alto"
Cinematografo.it "i Dardenne sono sempre loro e per l'ennesima volta hanno girato un piccolo capolavoro".

Grande successo di pubblico al 61° Festival di Cannes (più di dieci minuti di applausi), ma non solo: la giuria lo ha premiato per la migliore sceneggiatura. Del resto i fratelli Dardenne sono abituati ai riconoscimenti: proprio Cannes li ha incoronati per ben tre volte, con la Palma d'oro per "Rosetta" nel 1999 e "L'enfant" nel 2005, con il premio per l'interpretazione maschile a Olivier Gourmet per "Il figlio" nel 2002.

Come detto in altra occasione, Jean-Pierre e Luc Dardenne, di estrazione sociale modesta, cresciuti a contatto col mondo operaio, sono noti per il loro cinema del disagio sociale, un cinema secco e rigoroso che spesso costituisce un'ardua sfida alla platea, un cinema forte e nobilissimo, un cinema che evidenzia come il danaro sia l'unica religione, un cinema che angoscia e fa disperare sul futuro dell'umanità, un cinema che mette a disagio gli spettatori con vicende sgradevoli al massimo.
Ne "Il matrimonio di Lorna" (ma preferibile il titolo originario, protagonista del film è infatti il silenzio inteso come "tutto ciò che Lorna nasconde agli altri e a se stessa", Megamodo.it, un silenzio "interiore e la parola espressa...un tentativo di far tacere una coscienza in tumulto", Cinergie.it) i toni sembrano ammorbiditi e diversi: abbiamo sempre i principali ingredienti del Dogma 95 (linguaggio minimalista, messa in scena priva di fronzoli e orpelli vari, mancanza di colonna sonora esterna aggiunta o luci artificiali, macchina da presa a mano, ambienti reali...), ma è abbandonato il tipico formato 16 mm (sostituito dal 35 mm, con inquadrature più larghe, più ferme e meno in movimento: "la cinepresa è diventata testimone più che attore", Philippe Elhem), i dialoghi abbondano, e la vicenda raccontata, pur imperniata sempre su disperati emarginati indifesi (e sfruttatori), sembra offrire -con il suo finale aperto e inatteso- una lieve luce di speranza (è un "inno alla libertà" secondo alcuni critici).

La protagonista (continuamente e quasi ossessivamente pedinata dalla camera di ripresa che sembra voler entrare dentro di lei), "disposta a rendersi complice di una macchinazione spaventosa pur di raccogliere i soldi necessari per realizzare il suo sogno, diventa simbolo di chi vuole riappropriarsi di un'umanità svanita nella selva delle violenze quotidiane" (Joshua Massarenti). A salvare Lorna saranno i suoi rimorsi: "in un mondo così cruento, il senso di colpa è l'unico sentimento che ci consente di accedere all'umanità" hanno dichiarato i registi. La incarna una bravissima Arta Dobroshi, eccezionale nell'esprimere cinismo freddezza e determinazione (apparente) sentimento fragilità e pietà (nella sostanza).
Ma tutto il cast è da applauso in questa opera costruita come un thriller arricchito da una serie continua di colpi di scena che coinvolge lo spettatore non permettendogli la minima distrazione.

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"Le tre scimmie" di Nuri Bilge Ceylan

2008-09-18T09:33:00.001-07:00

(Üç Maymun)

Un film di Nuri Bilge Ceylan
Con Yavuz Bingöl, Hatice Aslan,
Ahmet Rifat Sungar, Ercan Kesal, Cafer Köse
Genere Drammatico, colore 109 minuti
Produzione Turchia 2008 - Distribuzione Bim
[Uscita nelle sale venerdì 12 settembre 2008]

Nuri Bilge Ceylan, quarantanovenne regista turco, esperto di ingegneria elettrica e di fotografia, non è un nome noto al grande pubblico ma chi frequenta i Festival lo conosce bene (nel 2003 a Cannes il suo autobiografico "Uzak" vinse due premi, ma nel 2006 il suo "I climi" fu abbondantemente fischiato dai rappresentanti della stampa): "soprannominato l'Antonioni turco, è uno dei nomi più in vista del cinema contemporaneo. E uno degli sguardi più originali e penetranti sulle relazioni umane" (Nicola Falcinella).

Non tutti i critici hanno gradito, ma "Le tre scimmie" al 61° Festival di Cannes ha entusiasmato la Giuria che lo ha giustamente premiato come "miglior regia".
Un film severo ("algido, quasi scandinavo", afferma Federico Gironi) che richiede impegno e attenzione da parte dello spettatore che viene però ripagato con uno dei lavori più interessanti delle ultime stagioni.

Fotografia monocromatica di una bellezza non usuale, ogni inquadratura sembra un quadro: quanto di meglio si sia visto ultimamente.
Attori superlativi, in grado di trasmettere sensazioni ed emozioni a non finire solo con gli sguardi, i gesti (le parole sono ridotte al minimo): spicca Hatice Aslan, drammatica e intensa come poche, uno dei volti più interessanti che il grande schermo ci abbia recentemente mostrato (non sarà facile dimenticarla, l'augurio è di rivederla presto), mirabile nel disegnare una donna vittima tre volte, come madre come moglie come amante.

Un desolante affresco dell'umanità dominata, e schiavizzata, dal danaro e dal potere; una umanità senza speranza, corrotta e colpevole, amorale disgregata smarrita, incapace di comunicare. Un affresco che pone l'accento sull'ipocrisia, sulla viltà, sulla mancanza di coraggio di guardare una realtà che addolora e ferisce : un invito a riflettere su noi stessi e a metterci in discussione.

Con una sceneggiatura essenziale ed asciutta al massimo, tutto è nelle mani della regia. Una regia che sintetizza, e fa sua (come scrive Gianni Quilici), le caratteristiche di tre maestri come Anghelopulos, Bergman e Bresson: "Anghelopulos per l'inquadratura fissa... una soggettiva che si carica di un sentimento forte, sospeso, inesprimibile. Bergman per i primissimi piani e contropiani, che rendono in modo scultoreo dolore, contrasto, condizione di inferiorità, desiderio. Bresson per l'importanza dei suoni che diventano colonna sonora espressiva del film: la porta che cigola, i cani che abbaiano, il cellulare che canta, il treno che passa, i grilli... ". Una regia da applauso che fotografa il silenzio.

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"Machan" di Uberto Pasolini

2008-09-16T20:56:00.000-07:00

Un film di Uberto Pasolini

Con Dharmapriya Dias, Gihan De Chickera,
Dharshan Dharmaraj, Namal Jayasinghe
Genere Commedia, colore 108 minuti
Produzione Italia, Sri Lanka, Germania 2008
Distribuzione Mikado
[Uscita nelle sale venerdì 12 settembre 2008]

Finora noto come produttore di "Con la testa tra le stelle" "I vestiti nuovi dell'imperatore" "Palookaville" e del celeberrimo "The Full Monty" , Uberto Pasolini (nipote di Luchino Visconti) debutta nella regia presentando nelle Giornate degli Autori del Festival di Venezia questo piccolo gioiello ispirato a una storia vera accaduta quattro anni fa.
Si è aggiudicato la vittoria. Questa la motivazione del premio: "L'immigrazione è un problema molto concreto nell'Europa di oggi e questo è un film divertente, molto ben scritto e diretto che riesce a parlarne con umorismo e senza scivolare in facili sentimentalismi. Riteniamo questi aspetti in grado di attrarre e divertire un vasto pubblico in tutta Europa, contribuendo ad alimentare la discussione su un argomento così importante".
La Giuria veneziana punta l'accento sul divertimento: certamente a volte si sorride, in "Machan" sono presenti tracce di humour inglese e ironia, ma a prevalere sono i toni malinconici, il dramma che fa da sfondo alla incredibile vicenda di un disparato gruppo di singalesi (dalle diverse componenti etniche, religiose e culturali) che si spacciano per la inesistente e fantomatica Nazionale di pallamano, senza neanche sapere in che cosa questo gioco consista, pur di ottenere il visto di espatrio per la Germania.

"Machan" (in lingua cingalese "amico") è stato realizzato con pochi mezzi e con attori spesso non professionisti, ma la regia è talmente accorta e abile che la cosa non si avverte. La vita di Colombo (Sri Lanka) è mirabilmente descritta (diventa quasi protagonista di tutta la storia), con le sue luci (poche) e le sue ombre (molte) ma il tutto è talmente equilibrato e misurato da non cadere mai nel facile folclore o nel ricattatorio pietismo e nell'inutile buonismo.
Con attenzione sensibilità e delicatezza Pasolini è bravissimo nel descrivere, di uomini in cerca di una nuova dignità, sogni speranze illusioni ingenuità... che ci toccano e ci commuovono nella loro semplicità e spontaneità.

Affresco sentito e sincero di quanto accade in gran parte del mondo a noi lontano ma le cui conseguenze ci riguardano sempre di più, ritratto partecipe e veritiero di personaggi dalla grande umanità, asciutta e non retorica denuncia dell'intolleranza e dell'ostilità verso chi ci appare diverso… un film oltremodo interessante e che onora il cinema italiano (così alieno dall'affrontare temi del genere non pesantemente).
Un lavoro "dall'atmosfera esotica e familiare insieme che in Sri Lanka è stato accolto con entusiasmo, non come il film di uno straniero, ma come un film di casa loro" (Manuela Grassi).
Un'opera agrodolce più che piacevole… ma da vedersi soprattutto per rendersi conto di una drammatica realtà che ci coinvolge più o meno tutti e che se non la si comprende sarà difficile da risolvere.
Si esce dalla sala soddisfatti per aver assistito a uno spettacolo intelligente e che, con mano leggera, ci mette in discussione, indecisi tra il sorriso (il lieto fine in fondo non manca) e l'amarezza per quanto accade a gran parte dell'umanità.

Scrive La Repubblica: "Un film che ha convinto ed emozionato il popolo della Mostra di Venezia, tradizionalmente severo con le opere made in Italy premiandolo in termini di entusiasmo, code chilometriche per assistere alla proiezioni, giudizi positivi post-visione".

p.s. A Venezia è stata presentata l'edizione originale con gli attori che recitano nella loro lingua natia. Nelle sale invece circola l'edizione interamente doppiata, il che toglie verità e "musicalità" al tutto.

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"Il papà di Giovanna" di Pupi Avati

2008-09-13T09:49:00.000-07:00

Un film di Pupi Avati

Con Silvio Orlando, Francesca Neri,
Ezio Greggio, Alba Rohrwacher,
Serena Grandi, Manuela Morabito,
Paolo Graziosi, Gianfranco Jannuzzo, Valeria Bilello
Genere Drammatico, colore 104 m - Italia 2008 - Distribuzione Medusa
[Uscita nelle sale venerdì 12 settembre 2008]

Una ricostruzione d'epoca perfetta, una cura quasi maniacale del dettaglio: un plauso a scenografo, costumista, truccatori.

Un plauso a Pupi Avati nel presentarci il "ventennio" senza le sbavature e le forzature a cui il nostro cinema ci ha abituato. Prima di lui solo Ettore Scola (col suo capolavoro "Una giornata particolare") aveva saputo ricostruire quel periodo senza caricature ed eccessi, un periodo in cui molti italiani erano in buona fede convinti della bontà della dittatura e non tutti erano mostri sanguinari o macchiette ridicole. Avati non commette l'errore di tanti intellettuali usi a ritrarre il fascismo come una realtà estranea all'Italia, quasi proveniente da un altro pianeta: settanta-ottanta anni fa i nostri genitori, i nostri nonni erano in maggioranza fascisti (chi per fede, chi per convenienza, chi per pigrizia, chi per trasformismo, chi per indifferenza…) : se non se ne prende atto non si fa un buon servizio alla storia e soprattutto non aiuta ad evitare un ritorno più o meno mascherato di qualcosa di simile. Alcuni hanno rimproverato ad Avati di presentare un fascismo dal volto umano accusandolo di una forma di revisionismo: niente di più sbagliato. Come nota giustamente Fabio Ferzetti "la lunga fucilazione di Greggio, pronto a rinnegare tutto per salvare la pelle, sintetizza il giudizio morale su una stagione" .

Ma i meriti del film sono anche altri.

Una bellissima fotografia brunita e una splendida colonna sonora che ci immettono immediatamente negli anni Trenta, una trama particolarmente interessante (anche se sgradevole e soffocante) a cui lo spettatore si sente partecipe e massimamente coinvolto, un disegno preciso e puntuale delle eterne piccinerie della nostra piccola borghesia (di ieri, di oggi), un intreccio -complesso e veritiero- di conformismi ipocrisie paure illusioni che sembra appartenere alla cronaca odierna, una analisi seria e intelligente dei rapporti familiari quanto mai attuale, uno spietato (ma al contempo pietoso) scandaglio degli errori commessi in nome dell'amore che non può lasciare indifferenti, "una storia forte e malinconica, intima ma capace di raccontare il mondo di oggi" (Avvenire).
Un film "che sceglie di parlare al cuore prima che alla mente, dove la Storia - quella con la S maiuscola - non è oggetto della narrazione ma dolceamaro contrappunto al dramma individuale dei protagonisti" (Andrea Vesentini).

Silvio Orlando (premiato a Venezia), professore umile ed onesto, ma frustrato nevrotico timoroso e pronto a ogni compromesso per evitare umiliazioni e sofferenze alla figlia, è veramente straordinario in un ricco e profondo ritratto di grande umanità (un perfetto "esempio di paternità appassionata e insieme malata" La Stampa).
Alba Rohrwacher è formidabile nel difficile ruolo della ragazza poco attraente, labile psicologicamente, corrosa dalle ambizioni del padre (soffocata dal suo amore e dal suo essere eccessivamente protettivo).
Francesca Neri, parrebbe non avere il fisico per interpretare una casalinga disillusa, una madre distante distaccata diffidente ("chiusa nella sua inutile bellezza" Il Messaggero), amata e odiata dalla figlia: ha modo invece di confermare ancora una volta il suo notevole talento disegnando con maestria una figura non abituale nel nostro cinema.
Ezio Greggio, bonario e ambiguo fascista, è una vera rivelazione (e conferma la capacità di Avati di individuare qualità inaspettate… aveva già "sdoganato" Diego Abatantuono e Carlo Delle Piane).
Ma tutti gli interpreti (Serena Grandi, Gianfranco Jannuzzo…) andrebbero citati: è raro che un film italiano veda un intero complesso di attori offrire prestazioni che meglio non si potrebbe desiderare, "un lavoro corale, di un cast semplicemente perfetto" (Andrea Giordano).

"Il papà di Giovanna", dalla cui sceneggiatura Pupi Avati ha ricavato un libro pubblicato da Mondadori, è un ottimo esempio di lettura del presente alla luce del passato, una analisi toccante e sincera (misurata e pudica, equilibrata e delicata) di un orribile fatto (patologico e apparentemente immotivabile) che induce a riflettere e a mettersi in discussione: "il film forse più bello, certo più padroneggiato e maturo" del regista bolognese (Corriere della Sera), maestro nel raccontare i nostri errori senza condannarci ma cercando di capire.

p.s.
L'unico difetto del film è, a mio parere (ma non solo), il finale, banale e semplicistico.

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"X-Files: Voglio crederci" di Chris Carter

2008-09-12T05:58:00.001-07:00

(The X Files: I Want To Believe)

Un film di Chris Carter
Con David Duchovny, Gillian Anderson,
Billy Connolly, Mitch Pileggi, Amanda Peet
Fantascianza, colore 14 minuti
Produzione USA, Canada 2008 - Distribuzione 20th Century Fox
[Uscita nelle sale venerdì 5 settembre 2008]

Nove anni di strepitoso successo, il prestigioso settimanale "Entertainment Weekly" che definisce il programma come "a cult favorite", 16 Emmy Awards e 5 Golden Globes, proclamato nel 2004 dall'Accademia dei Telefilm (in occasione dei 50 anni della televisione italiana) "miglior serial fantascientifico di sempre" e "miglior serie tv di tutti i tempi". Questi, e tanti altri, i titoli di merito di "X Files", sicuramente una delle migliori e inquietanti produzioni che la televisione abbia mai realizzato.
Nel 1998 Rob Bowman girò il primo film per il grande schermo, film che non entusiasmò molto ma si fece apprezzare per il ritmo e per il "notevole brio inventivo, soprattutto nella seconda parte con la base extraterrestre nascosta sotto le nevi dell'Antartide" (il Morandini).
Dieci anni dopo abbiamo questo secondo film diretto proprio dal creatore della serie, Chris Carter, che ha dovuto affrontare un doppio problema. Soddisfare i fan della serie-mito, piacere a chi di questa non sa nulla. Il risultato è che non ha accontentato quasi nessuno (e gli incassi modesti in tutti il mondo non lasciano dubbi sulla mediocrità del prodotto finale).
Terribilmente lento, il racconto (che pare eccessivamente lungo e che affronta il tema dell'amore attraverso l'evoluzione del rapporto tra Mulder e Scully ma anche argomenti come il contrasto tra fede e ragione, e la necessità del perdono e della redenzione) si trascina stancamente.
Trama un po' scontata, sceneggiatura povera di idee, a tratti pure monotona. Completamente assente tutto quanto ha caratterizzato, per tanti anni, la produzione televisiva: le emozioni, la suspense, l'ispirazione, il brivido, il senso di novità, la vena narrativa, l'analisi di casi incredibili (ai confini della realtà) che nascondono misteri inquietanti e non hanno alcuna spiegazione logica, il ritratto di un mondo dove tutto è possibile anche se mai conoscibile fino in fondo (un mondo completamente privo di certezze: nessuno è colui che sembra, tutti hanno qualcosa da nascondere)...
Ritroviamo solo lo scetticismo di lei (nonostante tutto) e l'incorreggibile idealismo di lui (nonostante le mille sconfitte) in "un thriller-horror del tutto slegato dalla mitologia della serie" (Emanuele Rauco).

Molti critici hanno giustamente stroncato il film ma è comunque da apprezzare l'uso accorto e ragionato degli effetti speciali, che non prevalgono mai sulla storia, anche perché l'attenzione del regista si concentra sull'animo (i dubbi, i conflitti, il lato oscuro) dei due protagonisti, "persone in crisi in un mondo senza pietà, in lotta con i propri fantasmi e con seri problemi di adattabilità alla società contemporanea" (Daniela Catelli).

David Duchovny e Gillian Anderson sono una bella coppia, la loro alchimia sullo schermo è perfetta. Singolarmente, bisogna dire che mentre la seconda mostra buone qualità drammatiche, il primo risulta un po' statico e monocorde.

p.s.
1)La serie televisiva si concludeva con il sospetto che Mulder fosse un alieno e che lui e Scully stessero per essere rapiti dagli extraterresti. Che fine ha fatto tutto ciò?
2)Se il regista voleva fare qualcosa di nuovo e di diverso (...niente di male), perché allora dare questo titolo al film? Chiaramente uno specchietto per le allodole: come è possibile non sentirsi traditi e presi in giro?

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"Il seme della discordia" di Pappi Corsicato

2008-09-11T06:05:00.000-07:00

Un film di Pappi Corsicato

Con Alessandro Gassman, Caterina Murino, Isabella Ferrari,
Valeria Fabrizi, Michele Venitucci, Martina Stella,
Angelo Infanti, Monica Guerritore, Iaia Forte,
Genere Commedia, colore 85 minuti
Produzione Italia 2008 - Distribuzione Medusa
[Uscita nelle sale venerdì 5 settembre 2008]

Deludente e inconcludente… i due aggettivi che vengono immediatamente in testa dopo la visione de "Il seme della discordia" che vede il ritorno, dopo sette anni, di Pappi Corsicato.
Il soggetto (tratto dal racconto "La Marchesa von O" di Heinrich von Kleist, già portato sullo schermo nel 1976 da Eric Rohmer) lasciava ben sperare, come la location scelta (una Napoli insolita) e il ricco cast (che invece, a parte la bravissima Isabella Ferrari, appare del tutto inadeguato).
Ritmo lento, assoluta mancanza di ironia, umorismo latente… caratterizzano questo film che ambisce al titolo di ironica commedia su infertilità e aborto e che si vorrebbe surreale, fresco, leggero, sgargiante e multicolore, retrò e scintillante (e non è nessuna di queste cose). Un Almodòvar adattato e interpretato in un film che è lontano mille miglia dal mondo paradossale grottesco e caustico del grande regista spagnolo.
Sceneggiatura senza fantasia né inventiva (con dialoghi spesso banali e qualche sketch farsesco di troppo), scene e vari personaggi chiaramente riempitivi e inconsistenti, continue citazioni cinematografiche non motivate.

Caterina Mureno e Alessandro Gassman monocordi come mai. La prima (molto lodata, a mio parere inspiegabilmente, dai critici) è al centro di tutta l'opera ma non riesce a dare spessore al suo personaggio (una giovane Giovanna Ralli o una Carmen Maura avrebbero fatto faville…), passeggia molto nel film, ancheggiando e inchinandosi parecchio. Il secondo non dà sfaccettature al ruolo, che risulta opaco piatto monotono. Un plauso invece, come già detto, a Isabella Ferrari, eccezionale in un personaggio per lei non usuale e che interpreta senza sbavature, con misura e discrezione.

Accolto con una certa freddezza all'anteprima per la stampa al Festival di Venezia, Pappi Corsicato ha dichiarato: "Volevo affrontare temi urgenti ed importanti ma senza la pretesa di approfondirli e realizzare così un film semplice e divertente e poi, io non riesco proprio a vedere la realtà, anche quella più sgradevole se non attraverso l'ironia che è qualcosa di magico che sdrammatizza le pesantezze della vita… Poi a dominare il film è l'universo prepotente e surreale delle donne". Intenzioni nobilissime, ma solo "intenzioni" che rimangono sulla carta e che nel film non traspaiono.
Una analisi divertita e divertente del mondo femminile, perfetto esteriormente ma disastrato interiormente? Un omaggio alla donna? Direi un'analisi e un omaggio al "didietro" del corpo femminile, perennemente in primo piano.

Scrive giustamente Gianluca Arnone su Cinematografo.it:
"Un divertissement fine a se stesso... che nulla aggiunge e nulla toglie allo stato del cinema. A lasciare perplessi non è tanto Corsicato però, ma la Mostra che l'ha voluto in Concorso. Questa sì, seminando discordia".

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